zapatos rosas

Vídeo presentación de La Exposición Expandida para #arteyuncafe

2012-01-18T20:24:00.000+01:00

Ya ha empezado la fase online del I Encuentro #Arte y un café, una iniciativa de Veo Arte en todas pArtes que celebrará su parte presencial el próximo 17 de febrero en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, y en la que se presenta el proyecto de La Exposición Expandida.

Para la fase online hemos realizado este vídeo presentación con la colaboración de Soledad Gómez, Pilar Gonzalo, Naiara Valdano, Laura Cano, Jorge Gemetto y Mariana Fossati, y Nuria García.

La Exposición Expandida from La Exposición Expandida on Vimeo.

Para todos los que queráis participar en #arte y un café, os esperamos en la Mesa III.

#Arte y un café

2012-01-10T10:18:00.000+01:00

El próximo día 17 de febrero, La Exposición Expandida se presentará en el I Encuentro #Arte y un café, una iniciativa promovida por Nuria García, de VeoArte en todas pArtes sobre el papel y las perspectivas que juegan los diferentes agentes relacionados con el mundo del arte a través del empleo de blogs y redes sociales, y que se celebrará en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.

#Arte y un café se divide en tres mesas redondas temáticas. La presentación sobre La exposición expandida formará parte de la Mesa III Proyectos colaborativos entre bloggers, aunando fuerzas en las redes sociales.

#Arte y un café

Desde hace varias semanas, Águeda Beatriz Esteban, Natividad Guil, Pilar Delgado y yo estamos preparando nuestra presentación, pero La Exposición Expandida es un proyecto abierto a la participación de bloggers y de todos los usuarios de internet y las redes sociales. Queremos que la presentación refleje este espíritu participativo y por eso nos gustaría contar con vuestra opinión sobre el proyecto: ¿qué os parece?, ¿qué destacaríais?, ¿qué se puede cambiar o mejorar para próximas ediciones?

Todo lo que queráis decir sobre La Exposición Expandida podéis hacerlo a través de twitter, usando el hashtag #laexpoexpandida.

¡Esperamos vuestras opiniones!

Feliz Navidad

2011-12-24T00:21:00.000+01:00

www.lemonycoco.es

Encuéntrame en el MoMA: arte accesible para personas con alzheimer

2011-12-03T12:27:00.000+01:00

El MoMA de Nueva York es un museo que trata de hacer accesible su colección, creando entornos inclusivos para cada tipo de visitante, sin olvidarse de las personas con algún tipo de discapacidad física, cognitiva, trastornos de comportamiento, o alzheimer, y teniendo en cuenta sus posibilidades y necesidades.

Desde el año 2006, el MoMA oferta The MoMA Alzheimer's Project, un programa financiado por Met Life Foundation y orientado a enfermos de alzheimer, mediante actividades en las que el arte se utiliza como una vía de expresión personal a través de la observación, el diálogo sobre arte e, incluso, la creación artística. Según la web del MoMA este tipo de proyectos son muy beneficiosos para las personas que padecen la enfermedad de alzheimer, ya que favorece las relaciones personales, permite evocar vivencias propias y establecer conexiones con el mundo, pero también para sus cuidadores y familiares, porque les permite encontrar nuevas formas de relacionarse con ellos.

Lo más interesante de The MoMA Alzheimer's Project es que se extiende más allá de las actividades que realizan educadores especializados en el propio museo, para desarrollar recursos didácticos que, aunque se basan en obras de su colección, pueden ser utilizados para grupos o de forma individualizada por otros museos, residencias especializadas, cuidadores a domicilio, o familiares. Se trata de un proyecto que, desde su lanzamiento ha ido creciendo y madurando gracias a la publicación en 2009 de Encuéntrame en el MoMA: haciendo accesible el arte a personas con alzheimer, una guía para crear recursos educativos orientados a personas que se encuentran en fases tempranas de esta enfermedad.

Esta guía puede consultarse a través de internet, mediante textos, imágenes y vídeos, y descargarse en pdf. Además, los contenidos están disponibles también en español.

Vuelve Doodle 4 Museums

2011-11-23T09:00:00.000+01:00

Después de varios meses de cierta tranquilidad, MSoledad Gómez, Pilar Delgado, Nuria García y yo volvemos a retomar la campaña Doodle 4 Museums, que tiene como objetivo conseguir apoyos para que Google dedique un Doodle a los museos el próximo día 18 de mayo, con motivo de su día internacional, una iniciativa que el ICOM pone en marcha desde el año 1977 para "concienciar al público en general sobre el papel de los museos en el desarrollo de la sociedad".

Con la campaña Doodle 4 Museums pretendemos que los museos puedan ampliar su presencia y visibilidad en internet gracias a la repercusión mediática que pueden llegar a alcanzar los logotipos conmemorativos de Google. El próximo año, el Día Internacional de los Museos se celebrará bajo el lema Museos en un mundo cambiante: nuevos retos, nuevas aspiraciones y se desarrollará a través de cinco líneas de programación: el papel de los museos en una "nueva" sociedad, el desarrollo sostenible, construir el futuro aprendiendo del pasado, la era de los nuevos medios de comunicación y adaptarse innovando. Todas ellas tratan de resaltar la importancia de que los museos se adapten a los nuevos cambios y realidades de la sociedad actual, entre los que se incluyen las nuevas formas de comunicación en la que internet tiene cada vez más presencia. Sería un buen momento para conseguir nuestro objetivo.

El año pasado conseguimos, en apenas tres meses, el apoyo de más de cien personas y de más de cincuenta museos de España, América Latina y Portugal gracias a la difusión a través de las redes sociales Facebook y Twitter y al formulario de contacto de la web creada para la campaña.

Todos estos canales continúan activos para las personas que quieran unirse a nosotras para conseguir el Doodle para los museos, pero, además, hemos incorporado un Twibbon, que permitirá incluir el logo de Doodle 4 Museums en nuestro perfil de usuario de twitter para mostrar públicamente nuestro apoyo a la campaña.

Si vosotros también queréis un Doodle para los museos, podéis ayudarnos a conseguirlo a través de la web, facebook, twitter y twibbon.

Arte urbano - sala 5 de @laexpoexpandida

2011-11-09T22:31:00.000+01:00

Estamos acostumbrados a convivir con el graffiti y el arte urbano en nuestras ciudades. Firmas, mensajes de carácter político o social, plantillas, pegatinas, pinturas más o menos elaboradas, o mobiliario urbano transformado de manera generalmente ilegal generan opiniones encontradas (¿arte o vandalismo?) que se traducen en duras normativas municipales contrarrestadas con concursos, exhibiciones al aire libre o muros cedidos a los graffiteros. Pero el graffiti no es un fenómeno / problema contemporáneo, sino que se remonta a la antigüedad, con antecedentes en Egipto y Roma. En el siglo XVIII nos encontramos con el primer graffitero en el sentido moderno del término: Kyselak, un joven que apostó con unos amigos que conseguiría hacerse famoso en todo el imperio austrohúngaro en tres años, para lo que empezó a dejar su nombre en los lugares más visibles que encontraba durante sus viajes.

Firma de Kyselak. Foto de Urbanario.es

Ya a lo largo de la segunda mitad del siglo XX nos encontramos con dos escenarios imprescindibles para comprender el desarrollo del graffiti y el arte urbano en la actualidad: el mayo francés y los barrios marginales de grandes ciudades estadounidenses, como Nueva York o Philadelphia. En el primer caso, las calles de París se llenaron de pintadas con gran contenido político, mensajes que llamaban a la movilización de la sociedad y que ahora forman parte de nuestro imaginario colectivo. En el segundo caso, jóvenes afroamericanos y puertorriqueños se rebelaban ante una ciudad de grandes construcciones y vagones de metro recién inaugurados, de grandes rótulos publicitarios y luces de neón con los que las autoridades les bombardeaban, en contraste con la vida en los guetos en los que vivían. Trataban de hacer notar su presencia en la ciudad, de marcar el territorio con sus firmas. Ellos, que no tenían cultura visual ni formación artística, mostraban influencias de Pollock o de De Kooning, e influyeron en el desarrollo de corrientes artísticas posteriores. Fueron pioneros, y, sobre esto, Normal Mailer, autor de La fe del graffiti, dijo:

“ Si el graffiti de metro no hubiera nacido, seguramente algún artista habría considerado necesario inventarlo, pues estaba en la cadena de la evolución. (…) Los graffitis de metro formaban un delta fluvial, una desembocadura fangosa de cientos de riachuelos pictóricos”

En España no será hasta la década de los ochenta cuando llegue el graffiti, de la mano de Juan Carlos Argüello (Muelle), que sentó las bases de lo que se conoce como el graffiti madrileño y que ha influido notablemente en las posteriores generaciones de graffiteros y artistas urbanos españoles, con una metodología de trabajo más respetuosa que la neoyorkina, según Javier Abarca. Muelle dejaba su firma, que acompañaba con una flecha y la R de marca registrada, sobre muros abandonados y vallas publicitarias, pero no sobre vagones de tren, aunque permanece el mismo sentimiento e interés por reafirmarse como individuo dentro de la ciudad

“Cuando pintas te sientes vivo y te olvidas de que eres masa”

Firma de Muelle en la Calle Montera de Madrid (foto de Wikipedia)

En la actualidad, el graffiti y el arte urbano empiezan a adentrarse en los museos, las galerías y las ferias de arte, pero no podemos olvidar que en estos espacios se descontextualizan este tipo de manifestaciones artísticas, creadas desde y para la calle, por artistas que ya no necesariamente se vinculan a lo marginal o a las culturas del punk o el hip hop, pero que mantienen su interés por remover conciencias, movilizarnos política o socialmente, o simplemente sorprendernos. Son artistas que que están formados artísticamente y muestran en ocasiones una impresionante cultura visual y estética a través de diferentes técnicas que van más allá del aerosol o el stencil.Pero, ¿qué lleva a un artista a utilizar la calle y la ciudad como soporte para su trabajo artístico?

Dos Jotas nos responde:

“Mi trabajo depende de la ciudad para exisitr, pero sobre todo como defensa del espacio público. Hoy en día hay una necesidad por parte de los ayuntamientos e instituciones de llenar todo de objetos. La calle se convierte en una monstruosa galería de arte, por medio de esculturas decorativas, meras ampliaciones de piezas destinadas a una sala, que sin ninguna relación con el lugar o el escenario, se convierten en objetos intranscendentes. Esto, unido a la publicidad, la señalítica, o las pintadas, provoca un ruido, una agresión visual insoportable.Por todo esto, el modo de hacer, de intervenir, parte de asumir y formar parte de todo este ruido, sin agregar más, simplemente aprovechándolo y modificándolo.”

En este sentido destacan sus proyectos Sombras Suelo y Relieves, en los que la presencia humana, que se sugiere mediante sombras en elementos de mobiliario urbano, o caras en relieve que surgen en las paredes, pasa inadvertida entre la multitud de ruido que inunda las ciudades.

Sombras suelo

Relieves

Por su parte, QR podría catalogarse en el grupo de artistas urbanos interesados en emplear materiales o lenguajes poco convencionales. Es pionero en la utilización de códigos QR o códigos bidimensionales para proyectos interactivos de arte urbano con fines artísticos y no meramente publicitarios. Sus intervenciones parten de nuestro comportamiento ante este tipo de recursos: a primera vista no entendemos nada, pero como sabemos que existe un mensaje oculto, acudimos a descifrarlo con nuestros teléfonos móviles. Pero QR considera que la única manera de utilizar este tipo de elementos con "despropósitos artísticos" es anular el mensaje. Por eso, si pretendemos descubrir lo que nos quieren decir sus murales interactivos, que realiza desde el año 2008, en la pantalla de nuestro teléfono móvil aparecerá la frase "No entiendo nada".

Mural interactivo de QR

Intervención de QR en Tabacalera, Madrid

Francisco de Pájaro representa una forma de relación con la ciudad más reivindicativa que los casos anteriores gracias a su proyecto El arte e$ ba$ura. Tras una serie de experiencias artísticas y laborales frustradas, Pájaro decidió (o podríamos decir que casi se vio obligado a) dejar su estudio y utilizar la basura y los materiales de desecho que se encuentran en la calle para criticar el precio de la vivienda, el paro, la corrupción política o el propio sistema artístico mediante intervenciones callejeras de gran impacto visual (habla sobre basura a través de basura), que pueden encontrarse principalmente en Barcelona hasta que son recogidas por los servicios municipales de limpieza.

La Exposición Expandida

2011-10-10T08:30:00.000+02:00

La Exposición Expandida es un proyecto experimental de comisariado colectivo que se enmarca en el nuevo contexto cultural, social y tecnológico en el que nos encontramos inmersos en la actualidad. Las herramientas 2.0. con las que estamos cada vez más familiarizados nos permitirán, por una parte, elaborar un discurso expositivo a través de diferentes salas y, por otra, estrechar los vínculos entre la obra y el espectador, favoreciendo el diálogo y la comunicación entre público, comisarios y artistas para facilitar la comprensión y el aprendizaje.

Después de hacer el curso de Innovación Abierta en la Gestión de Proyectos Culturales me puse en contacto con Águeda Beatriz Esteban, Semíramis González, Natividad Guil y Pilar Delgado para utilizar nuestros blogs como salas de una exposición en torno a una temática común elegida por consenso a través de un grupo secreto de Facebook, la ciudad, estudiada desde varios puntos de vista, e invitaremos a todos lo que quieran a participar, creando una sala dentro de su blog.

El próximo lunes, 17 de octubre, se inaugura La Exposición Expandida en el blog Composición Número 1, que analizará la ciudad como espacio social, y a lo largo de las próximas semanas, cada lunes se inaugurará una nueva sala que tratará sobre la arquitectura, el patrimonio, el arte urbano y los espacios abandonados.

Podéis seguir La Exposición Expandida a través de la web (www.laexposicionexpandida.net) y de las redes sociales facebook y twitter.

Rolywholyover. A circus

2011-09-04T13:40:00.000+02:00

El 12 de septiembre de 1993 se inauguró en el MOCA (Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles) la exposición Rolywholyover. A circus, un proyecto multidisciplinar y dinámico ideado por John Cage (1912 – 1992) por encargo de este centro, y comisariado de Julie Lazar. La exposición cambiaba cada día siguiendo las indicaciones de una aplicación informática basada en el Libro Chino de los Cambios y reunió en tres salas y un auditorio 223 obras plásticas, performances, proyecciones de cine y video, música, lecturas poéticas, libros, documentos… del propio John Cage y de otros artistas como Yoko Ono, Nam June Paik, Merce Cunningham, Dick Higgins, Eric Satie, Marcel Duchamp, Buñuel, Maya Deren, Hans Richter…

Foto: web del MOCA

En la primera sala podían verse 22 obras de, entre otros, Dalí, Constable, Art & Language, John Outterbridge, Kothe Kollwitz, seleccionadas entre las diez propuestas por cada uno de los veinte museos del sur de California invitados a participar. Además, en la sala se colocaron armarios y cajones con publicaciones de Cage, juegos y tableros de ajedrez para que los visitantes se sentaran a leer o jugar.

La segunda sala se destinó a 34 obras del propio John Cage: partituras, acuarelas…

La tercera sala, la South Gallery, mostraba 166 obras seleccionadas por John Cage y Julie Lazar que iban cambiando de ubicación diariamente ante los ojos de los visitantes. Los conservadores del MOCA trasladaron su espacio de trabajo a la South Gallery y las obras que, por cuestiones de espacio y de las indicaciones de la aplicación informática no podían ser expuestas, se quedaban en la sala, en peines y mechinales propios de los almacenes de cualquier museo.

El Libro Chino de los Cambios también determinaba las performances y acciones que se desarrollaban cada día en el auditorio. La programación se hacía pública sólo con unas horas de antelación, de manera que los visitantes no sabían lo que se iban a encontrar hasta que llegaban al museo.

Foto: web del MOCA

Rolywholyover. A circus fue una exposición que mostraba claramente el factor lúdico que caracteriza a las obras de John Cage. Cada día los visitantes se encontraban con una nueva exposición, podían ser testigos de actividades cotidianas de los profesionales de los museos que generalmente no son visibles para el público y, además, se fomentaba la interacción con las obras expuestas, que no llevaban cartelas. Los visitantes se guiaban por la exposición con un listado de las obras con sus títulos y características técnicas y debían contrastarlas en cada una de las salas, una tarea que se hacía más compleja y divertida en la South Gallery.

Tras pasar por el MOCA, Rolywholyover. A circus pudo verse en la Fundación Menil de Houston, el Museo de Arte de Philadelphia, el Museo Guggenheim de Nueva York y la Torre del Arte Mito de Japón.

John Cage, una de las figuras más destacadas de la música, el arte y la filosofía del siglo XX, fue discípulo de Arnold Schönberg. Muy interesado por la filosofía oriental, utilizó el Libro Chino de los Cambios en varias de sus obras. Fue el creador de los "pianos preparados" y pionero de la música electrónica y experimental. Su composición 4:33’, basada en el silencio, ha sido reivindicada recientemente como número 1 de ventas de Reino Unido a través de una campaña de Facebook.

Dimensiones

2011-07-31T17:09:00.001+02:00

El pasado mes de mayo, en el Arts Santa Mónica de Barcelona, empezó el recorrido de "Dimensiones", una exposición de fotografías en tres dimensiones realizadas con la Nintendo 3DS por fotógrafos como Ouka Leele o Joan Fontcuberta, entre otros, que ya ha pasado por Madrid, Lisboa o Zaragoza.

"Dimensiones" pretende dar a conocer las posibilidades creativas y fotográficas de la Nintendo 3DS, la primera consola que permite ver en tres dimensiones sin necesidad de gafas, reproducir vídeos o imágenes en realidad aumentada y leer códigos QR pero que, a pesar de todos estos avances, no ha conseguido alcanzar las expectativas de venta de la compañía.

En la web de la exposición se incluyen una serie de recomendaciones para hacer fotografías 3D: no ponerse ni demasiado cerca ni demasiado lejos, buscar diferentes planos, elegir objetos estáticos y coloridos, y mezclar luces y sombras, y, además, Joan Fontcuberta explica lo que supone la llegada de las tres dimensiones al mundo de la fotografía:

"La consola Nintendo 3DS supone un logro pionero: lleva incorporado un dispositivo fotográfico que permite la obtención de imágenes en 3D de visión directa. Muy probablemente las cámaras del futuro terminarán basándose en este principio, de modo que por defecto nos proporcionarán fotos en relieve y sólo con esfuerzo lograremos volver a las "arcaicas" imágenes bidimensionales.
Asistimos, por tanto, al inicio de un nuevo cambio de paradigma en la historia de la comunicación visual y lo sorprendente en este caso es que la innovación tecnológica no procede de aplicaciones científicas, industriales o militares sino de un juguete."

De momento, el uso de la Nintendo 3DS como cámara puede considerarse como una anécdota y su impacto en el ámbito de la fotografía es muy pequeño en comparación al que han protagonizado otros dispositivos como el iPhone, pero está claro que Nintendo ha abierto nuevas vías que es necesario explorar. Con el tiempo veremos si, como dice Joan Fontcuberta, estamos ante los inicios de las cámaras del futuro.

Caso práctico - semana 16 #iac11

2011-06-19T19:56:00.000+02:00

Zemos98 es un equipo de trabajo dedicado a la gestión creativo cultural que investiga, programa y produce contenidos relacionados con la educación, la comunicación, los derechos de autor y la creación audiovisual en el marco de la sociedad red, la cultura libre, el procomún y la tecnología. En este sentido, su método de trabajo está abierto a la colaboración de profesionales o no, generando microcomunidades, que en algún momento han aportado o aportan contenidos a las iniciativas de Zemos98. Este es el caso de María Ptqk, Laura Fernández y Marcos García de MediaLab Prado, Juan Freire o Tiscar Lara.

Los contenidos generados por Zemos98 y sus colaboradores se difunden y distribuyen de modo offline, mediante su festival internacional anual, talleres, exposiciones o conferencias, y de modo online, a través su web y de blogs específicos o personales, en formato texto (posts, libros o documentos descargables en pdf), audio (podcasts) o vídeo (tv, contenidos audiovisuales, dvds). Estos contenidos aparecen organizados por categorías temáticas o por proyectos, lo que convierte la web de Zemos98 en un gran archivo de referencia para el conocimiento de la educación expandida, el procomún o la comunicación.

Precisamente, la web, junto con los blogs, es el punto más fuerte de la estrategia de difusión de Zemos98 por su organización y la variedad de recursos disponibles en diferentes formatos de proyectos anteriores o actuales. A esto hay que añadir la presencia activa en las redes sociales, especialmente en Facebook, donde 2234 personas siguen su página, o Twitter, donde tienen casi 3200 seguidores y están incluidos en 260 listas. Además, también me parecen muy interesantes los contenidos que generan los miembros del equipo de Zemos98, tanto desde sus blogs personales como desde sus perfiles de Twitter.

Aparentemente, Zemos98 presenta una imagen impecable y acorde con sus planteamientos pero

¿Qué acciones deberían emprender para incrementar su reputación online?

Uno de los puntos débiles de la estrategia de difusión de Zemos98 es el posicionamiento de su web.

Zemos98 se define con estas palabras clave:

ZEMOS98 es un equipo de trabajo que convive con la sociedad red, que converge y se asocia temporalmente, tejiendo relaciones y generando comunidades.
ZEMOS98 es cultura libre, procomún y remezcla.
ZEMOS98 es educación expandida, comunicación en beta y audiovisual integrado.
ZEMOS98 es mediación tecnológica y experimentación de contenidos y formatos.

Si realizamos búsquedas en Google con las palabras clave marcadas en negrita, encontramos que:

- sociedad red, cultura libre, comunicación en beta y mediación tecnológica no aportan ningún resultado vinculado con Zemos98 en las primeras cinco páginas.
- procomún ofrece el primer resultado en la cuarta página
-educación expandida, remezcla y audiovisual integrado ofrecen resultados en la primera página, aunque la mayoría de los enlaces corresponden a referencias a Zemos98 en otras webs.

Con estos resultados podemos deducir que una persona que esté interesada en los conceptos anteriores sin poseer demasiados conocimientos previos sobre ellos, no podrá relacionarlos fácilmente con Zemos98.

Por otra parte, y aunque existen numerosas referencias a Zemos98 y sus proyectos en diferentes webs y blogs, algo que es positivo para su reputación online, no aparecen enlaces directos a su web desde ninguna de las webs de sus colaboradores.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/06/semana-16-la-importancia-de-ser-visible.html

Caso práctico - semana 15 #iac11

2011-06-14T21:52:00.001+02:00

El Cosmonauta es un proyecto de película de Riot Cinema Collective con un modelo innovador de producción, distribución y financiación y uno de los casos de éxito más conocidos de aplicación de crowdfunding o microfinanciación colectiva a un proyecto cultural. Se trata de un ejemplo de cómo internet está revolucionando también el campo de financiación permitiendo que los usuarios / consumidores / prosumidores se involucren en proyectos que les gustaría ver materializados, a través de pequeñas aportaciones económicas. Los usuarios se convierten en productores, o mecenas.

¿Cómo se utiliza el crowdfunding en El Cosmonauta?

En la web de El Cosmonauta, Riot Cinema Collective explica que el crowdfunding "se utiliza para poner en marcha la infraestructura necesaria (una comunidad) para buscar el resto de la financiación por vías tradicionales" y, siguiendo los criterios de transparencia necesarios para establecer un vínculo de confianza con los potenciales productores, presentan un plan detallado en el que se desglosa el presupuesto y se especifican las diferentes fases de desarrollo y financiación del proyecto.

El Cosmonauta es un proyecto cerrado, que a través del crowdfunding busca cumplir un objetivo concreto (producir y distribuir la película) en una fecha concreta, pero...

¿Cómo puede usarse el crowdfunding en un proyecto abierto, que vaya creciendo a medida que se vaya desarrollando?

Como en cualquier proyecto que aspire a ser financiado mediante crowdfunding, la transparencia es fundamental. Es necesario saber comunicar a los potenciales productores en qué consiste el proyecto y cuáles son los objetivos, además de informar sobre su desarrollo en tiempo (casi) real.

En el caso de un proyecto que vaya creciendo a medida que se vaya desarrollando es importante además involucrar de manera más activa a aquellas personas que lo financien, trabajando en la creación de comunidad desde la que poder aportar y debatir ideas que puedan ser útiles para el proyecto. Convertirse en productor del proyecto debe convertirse en una experiencia enriquecedora.

Es importante tener en cuenta que la aportación no debe ser necesariamente económica, y que a través de una comunidad creada en torno a un proyecto se pueden conseguir recursos materiales o contactos que nos puedan beneficiar.

También habría que buscar fórmulas para recompensar a las personas que, después de haber hecho alguna aportación económica quieran volver a hacerlo tras ver el desarrollo del proyecto, o que recomienden a sus amigos o conocidos convertirse en productores de nuestro proyecto.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/06/semana-15-financiacion-20.html

Caso práctico - semana 14 #iac11

2011-06-11T19:02:00.001+02:00

Internet y las nuevas tecnologías han facilitado la creación y la producción a través de la red, pero también han conseguido cambiar el modelo tradicional de distribución de manera que, como afirma Chris Anderson, nos encontramos ante un periodo de transición entre la economía de la escasez y la economía de la abundancia o economía long tail.

Lo esencial del modelo distributivo que caracteriza a la economía Long tail es que ha superado la distribución controlada característica del modelo de mercado anterior y marcada por un espacio limitado de almacenamiento que implicaba que sólo algunos productos pudiera ser distribuidos. Las nuevas tecnologías han logrado romper las fronteras geográficas y por eso gracias a la distribución a través de internet es posible cubrir nichos de mercado que hasta este momento se consideraban poco relevantes.

Gracias a las nuevas posibilidades y a la reducción de los costes de almacenamiento y distribución a través de internet (y a la digitalización de determinados productos, entre los que se encuentran los culturales) es posible ampliar la oferta y esto es algo que beneficia a los consumidores.

En un modelo basado en la distribución controlada, los productos que logran salir al mercado luchan por posicionarse y alcanzar el primer puesto dentro de su sector a través de los medios de comunicación de masas que tratan de influir así sobre las decisiones y los comportamientos de los consumidores.

En la economía long tail no hay un solo número uno sino muchos y los productos se posicionan a través de las opiniones, comentarios y recomendaciones de los propios consumidores, que pueden llegar a convertirse en líderes de opinión gracias a los blogs y las redes sociales.

Cada uno de los productos distribuidos según el nuevo modelo no supone una amenaza para los productos que representan el modelo anterior, pero en su conjunto sí que pueden llegar a constituir una dura competencia que puede llevar a que ciertos modelos de negocio aparentemente consolidados tengan que replantearse sus modos de distribución.

La importancia del posicionamiento de los productos y el concepto de número uno, tal y como los entendemos ahora, seguirán existiendo mientras existan los medios de comunicación de masas que han creado ese sistema, pero su repercusión directa sobre el consumo irá disminuyendo progresivamente a medida que se consolide la economía long tail y aumente la influencia de los consumidores como líderes de opinión.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/05/semana-14-distribucion-en-la-red.html

Caso práctico - Semana 13 #iac11

2011-06-06T21:41:00.001+02:00

CAMON es un espacio tecnológico de interacción y creación, dependiente de la Caja de Ahorros del Mediterráneo, con sede en Madrid, Murcia y Alicante. Se trata de un centro interesado, especialmente, en el uso de la tecnología para acceder al conocimiento, en la cultura libre, la creatividad, la participación y el aprendizaje.

CAMON se dirige a todos los públicos interesados en la tecnología, la cultura libre y la creatividad y, en general, a todas aquellas personas que busquen satisfacer su curiosidad con nuevos conocimientos y formas de participación. En concreto, realiza actividades relacionadas con cinco áreas temáticas preferentes: música, arte multimedia, cine, fotografía y solidaridad / medio ambiente.

En su web se define como "encontrar, experimentar y compartir", "tecnología y conocimiento" o "un archivo para descubrir y aprender a cualquier hora" y se indica que la interacción con sus usuarios es su principal eje de actividad pero...

¿Cuál es la relación de CAMON con sus usuarios?

CAMON oferta a sus usuarios actividades diversas de carácter presencial, como talleres, charlas, encuentros, conferencias, reuniones... además de una comunidad online (red social) que permite compartir imágenes o vídeos, crear grupos y enlazar los perfiles con otras redes sociales. (A esto hay que añadir que habitualmente las actividades de los centros CAMON son retransmitidas via streaming, amplificando el número de usuarios virtuales).

Todas las acciones de CAMON se enmarcan dentro de la filosofía del BeLearning: es posible aprender a cualquier hora del día y en cualquier contexto, divirtiéndose, experimentando, haciendo, actuando y sobre todo, compartiendo y, precisamente para experimentar, hacer y actuar, las actividades de CAMON van acompañadas siempre de un claro componente práctico que permite satisfacer y fomentar las necesidades creativas de sus usuarios.

CAMON busca que los usuarios pasivos que se limiten a consumir su oferta cultural, se conviertan en prosumidores, una nueva figura que se sitúa a medio camino entre el usuario y el productor, que no sólo consume productos culturales sino que también los crea, los produce, los reinterpreta o los remezcla.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/05/semana-13-hacia-un-nuevo-modelo-de.html

Manifesta #iac11

2011-05-30T19:29:00.000+02:00

Manifesta es una Bienal europea itinerante de arte contemporáneo que trata de buscar y potenciar nuevos espacios culturales alejados de las grandes capitales artísticas, con el objetivo de favorecer el desarrollo local del territorio que la acoge. En cada edición, financiada en su mayor parte por las administraciones locales, se forma un equipo de trabajo en el que agentes locales y un grupo de comisarios externos definen las líneas de actuación teniendo en cuenta las características propias del territorio. Manifesta se define como una iniciativa que plantea innovaciones tanto en las prácticas curatoriales como en los modelos de exhibición y de educación pero, en realidad, es una estructura cerrada sin apertura a la participación.

¿Cómo se puede conseguir que ciudadanos, artistas, creadores e industrias culturales locales se involucren y participen en el proyecto desde su inicio?

La implicación de los ciudadanos en un proyecto como Manifesta debe empezar desde el momento en que se decide presentar una candidatura ante la Fundación Manifesta, con sede en Amsterdam, para acoger la Bienal. Las administraciones locales deben explicar a los ciudadanos / artistas / gestores / industrias culturales en qué consiste Manifesta y de qué manera puede influir su organización en el desarrollo local de la ciudad. Además, deberían abrirse canales de participación ciudadana (internet, redes sociales, buzones de sugerencias, grupos de trabajo en barrios...) siguiendo modelos del croudsourcing y el pensamiento de diseño, para recoger ideas que puedan ser interesantes para la presentación de la candidatura: cuáles son las razones por las que Manifesta debe celebrarse en esa ciudad, o cuáles son los espacios más adecuados para desarrollar las distintas actividades de la Bienal.

Si la ciudad es seleccionada por la Junta Directiva de la Fundación Manifesta, la administración local deberá canalizar sus inversiones pensando:

¿qué medidas y dinámicas garantizarán unos resultados duraderos en el entorno local?

Además de potenciar los canales de participación ciudadana citadas anteriormente, con el objetivo de llegar a propuestas más concretas, el grupo de trabajo local deberá acordar con la organización de Manifesta destinar una parte del presupuesto a potenciar proyectos de artistas o gestores culturales locales mediante convocatorias públicas de proyectos vinculados con el territorio y a desarrollar proyectos artísticos que necesiten de la participación y las capacidades creativas de los ciudadanos. También es necesario desarrollar un programa educativo para todos los públicos, basado en el aprendizaje significativo, que permita comprender los procesos creativos contemporáneos que promueve Manifesta junto al entorno local en el que se ubican, potenciando la idea de ciudad y su historia concreta.

El principal objetivo de un evento como Manifesta debe ser consolidar y amplificar el sector cultural y creativo de las ciudades que lo acogen, creando redes locales de colaboración e integrándose en redes globales gracias a la proyección que ofrece una bienal de ámbito europeo. Además, debe sentar las bases de una ciudadanía más creativa y participativa capaz de implicarse en los procesos que definen sus propias ciudades.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/05/semana-12-expansion-del-entorno-para-el.html

Caso práctico - Semana 11 #iac11

2011-05-26T21:38:00.000+02:00

Gracias a la implantación cada vez más extendida de internet, y a la aparición de aparatos tecnológicos cada vez más potentes y fáciles de utilizar, con precios cada vez más bajos, es posible crear, producir, distribuir y difundir un proyecto cultural con escasos medios y a veces gran impacto mediático o social.

Ante esta situación, parte de la industria cultural vinculada a modelos de producción tradicional, especialmente los sectores musical y audiovisual, se siente amenazada.

¿Por qué?

Más allá de los debates generados sobre la calidad de estos productos culturales o la profesionalidad de quienes los producen, entre otras cosas, uno de los principales motivos de este rechazo podría ser que con el nuevo modelo de producción online la figura del intermediario tanto entre los creadores y el producto cultural como entre los creadores y el público, se convierte en secundaria.

Los creadores han pasado a tener un mayor control sobre sus obras y esto, junto a las plataformas y canales de distribución gratuitos o de bajo coste, y las posibilidades de difusión de internet y las redes sociales, han provocado una mayor competencia y un incremento de la oferta y la demanda en torno a estos productos. Cada creador se convierte en el propio distribuidor de sus obras, sin ninguna plataforma empresarial o de gestión detrás lo que impide conocer y controlar a los competidores, y al mismo tiempo pueden decidir qué usos pueden hacer de ellas terceras personas, generando (nuevas) obras derivadas, gracias a las licencias libres.

Además, se suele identificar la cultura que surge de internet con cultura gratuita cuando en realidad este nuevo modelo de producción está dando a conocer nuevas fórmulas para obtener beneficios económicos mientras el modelo tradicional se encuentra en retroceso.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/05/introduccion-en-un-concepto-tradicional.html

Caso práctico - Semana 10 #iac11

2011-05-22T19:13:00.005+02:00

Platoniq es una organización internacional de productores culturales y desarrolladores culturales ubicada en Barcelona y pionera en la producción y distribución de cultura copyleft.

Contenido:

1. Historia
2. Integrantes
3. Objetivos
4. Modelo de negocio
5. Principales proyectos desarrollados
6. Palabras clave
7. Enlaces externos

Historia

La organización Platoniq surge en el año 2001 y desde 2003 son colaboradores del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona. Han obtenido premios internacionales en el Festival Transitio de México DF o en el Festival de Cultura Digital Transmediale de Berlín, además de una mención de honor en los Unesco Digital Art Awards.

Integrantes

Platoniq es una organización integrada actualmente por cinco miembros sin que exista una estructura jerárquica o vertical: Susana Noguera (desarrollo de software y bases de datos y logística de las actividades organizadas), Oliver Schulbaum (organización de eventos de cultura, innovación social y tecnología abierta), Esther Majadas (producción de proyectos y coordinación interna del colectivo), Iván Verges (producción de software y soluciones técnicas para los proyectos) e Ignacio García (diseño gráfico y espacial de proyectos y edición de audio).

Objetivos

Platoniq realiza proyectos en los que las nuevas tecnologías se aplican al fomento de la comunidad, la autoformación y la organización ciudadana a través de acciones basadas en estructuras horizontales que favorecen la participación y el intercambio de conocimiento entre iguales.

Sus tres ejes de acción son la organización de eventos relacionados con cultura y tecnología, la creación de contenidos documentales para TV y radio en Internet y el desarrollo de herramientas como base de datos y software para uso público, con el objetivo de que sus acciones puedan suponer una revisión constante de la noción de cultura y del lugar que ésta ocupa en nuestras sociedades.

Modelo de negocio

Platoniq se rige por el modelo del software libre y sus proyectos y acciones, así como sus desarrollos tecnológicos, pueden ser usados y distribuidos libremente por los usuarios. Sin embargo, Platoniq es un proyecto viable económicamente que busca un equilibrio entre el beneficio social y el económico.

La mayor parte de los ingresos de Platoniq proviene de subvenciones públicas, principalmente del Gobierno de Cataluña, pero también de los servicios prestados a otras empresas, organizaciones o instituciones en forma de cursos y talleres sobre innovación social y cultural, y del uso particular que sus integrantes hacen de las herramientas que desarrollan.

Uno de los puntos fuertes de Platoniq es que las comunidades, organizaciones e instituciones que se van a beneficiar de sus proyectos deben participar en ellos como cocreadores. Gracias a la interacción con las comunidades se consigue identificar mejor el problema que hay que solucionar, lo que supone un valor añadir del modelo de Platoniq frente a consultorías convencionales.

Principales proyectos desarrollados

- Banco Común de Conocimiento. 2006 -2009.

Es un laboratorio de educación mutua entre ciudadanos desarrollado a partir de la lógica P2P, el software libre y las redes sociales.

Goteo. 2010 - 2012

Red social para la financiación distribuida de recursos para el desarrollo de proyectos creativos, culturales, educativos o tecnológicos, abiertos, sostenibles o rentables que refuercen el procomún.

Youcoop. 2009 - 2012

Co-laboratorio de I+D de Platoniq en internet que pone a disposición de los usuarios recursos para facilitar la cooperación cultural y la innovación social, procedentes de sus proyectos e investigaciones.

Palabras clave: P2P, copyleft, software libre, trabajo en red, innovación social

Enlaces externos

Platoniq, cultura libre, J.L. de Vicente, El Cultural, 06/03/2009 http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/24889/Platoniq_cultura_libre

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/04/semana-10-propiedad-intelectual-y.html

Caso práctico - Semana 9 #iac11

2011-05-14T18:04:00.000+02:00

Biciclown es una iniciativa desarrollada por Álvaro Neil, que en el año 2004 decidió dejar su trabajo para recorrer el mundo en bicicleta con el objetivo de ofrecer espectáculos de clown gratuitos a colectivos humildes y desfavorecidos ubicados en países del tercer mundo o en vías de desarrollo. Es lo que él ha llamado "Miles de sonrisas alrededor del mundo".

¿Qué posibilidades tiene el uso del transmedia en un proyecto como Biciclown?

Cualquier proyecto que pretenda contar una historia puede encontrar en el transmedia un buen recurso para amplificar su repercusión y llegar a un mayor número de personas. Seleccionando el tipo de información y los contenidos que queremos transmitir, y eligiendo los canales y plataformas de distribución más adecuados para cada caso, podremos alcanzar una mayor complicidad con nuestro público y despertar un mayor interés.

El uso del transmedia empieza a ser habitual en narraciones de ficción, especialmente en superproducciones para cine o televisión, como Harry Potter o Lost. En el caso de Biciclown, el uso del transmedia nos permite conocer a través de diferentes formatos y canales una historia real que está ocurriendo en tiempo real, lo que impide contar con una planificación previa de la narración.

Biciclown cuenta con una web desde la que es posible seguir todos los pasos de Álvaro Neil a través de diferentes formatos, soportes y plataformas como fotografías, diarios de viaje o vídeos, disponibles en su canal de Youtube, junto con los perfiles en Facebook y Twitter. Además, se han publicado dos libros y un álbum de fotografías que pueden comprarse a través de la web (uno de los libros también está disponible en formato e-book).

El uso de todos estos canales para la distribución de contenidos en tiempo casi real puede resultar muy positivo para la difusión del proyecto, pero también para conseguir que un mayor número de personas decida contribuir económicamente al desarrollo de Biciclown y a la producción de un futuro documental titulado "La sonrisa del nómada", a través del Clownfounding ("la financiación del payaso", una interpretación personal del crowdfunding).

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/04/semana-9-el-creador-como-protagonista.html

Mi primera vez en un museo

2011-05-08T19:47:00.000+02:00

Con motivo del Día Internacional de los Museos, que este año se celebra bajo el lema "Museo y memoria", el Ministerio de Cultura y los Museos Estatales han puesto en marcha "Mi primera vez en un museo", un proyecto colectivo desarrollado en las redes sociales facebook y twitter que pretende convertirse un punto de encuentro para compartir la experiencia y el recuerdo de nuestra primera visita a un museo, a través de textos, fotos o vídeos. El objetivo es recopilar una memoria colectiva de los visitantes.

Para animar a participar en el proyecto, además de ofrecer regalos, varios personajes como Joaquín Reyes, Blanca Portillo, Javier Cámara, María Castro o Ágatha Ruiz de la Prada han compartido su primera experiencia en un museo a través de una serie de vídeos que podrán verse en el canal de Youtube de "Mi primera vez en un museo".

De momento, este es un adelanto de la primera visita de Joaquín Reyes, al Museo Cerralbo.

Caso práctico - semana 8 #iac11

2011-05-02T20:10:00.000+02:00

Hace unas semanas, Spotify anunciaba cambios en sus servicios gratuitos que se relacionan sobre todo con su próxima entrada en Estados Unidos, donde el modelo de iTunes cuenta con una importante aceptación y los servicios gratuitos de Spotify podrían suponer una fuerte competencia que superar. A esta explicación podrían sumarse las informaciones que hace un año hablaban de que Spotify necesita un 10% de usuarios premium por territorio para que su modelo de negocio sea rentable. De hecho, Spotify cerró el año 2009 con unas pérdidas de casi 20 millones de euros, pero estas cifras no impiden que crezca el número de inversores interesados en ella, o que incluso Google esté interesado en participar en el proyecto para hacer frente a los iTunes de Apple en Estados Unidos.

La situación de Spotify es similar a la que se vive, por ejemplo, con Facebook y Twitter y ha llevado a algunos a hablar de una burbuja tecnológica que no tardará en estallar igual que ocurrió durante los noventa con la burbuja de las puntocom, porque según algunos ofrecen servicios que están sobrevalorados al igual que su valoración en el mercado, especialmente si tenemos en cuenta sus datos de facturación. Frente a esto me quedo con la opinión de quienes piensan que internet es un mercado maduro y que las empresas sobrevaloradas (principalmente las relacionadas con la web 2.0.) son escasas frente a las que ya están consolidadas dentro del ámbito de internet y las nuevas tecnologías, como Microsoft, Apple o Google.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/04/semana-8.html

Caso práctico - Semana 7 #iac11

2011-04-16T21:15:00.001+02:00

La venta de merchandising online puede ser una buena idea para monetizar un congreso expandido, aunque debe ir acompañada de otros métodos como el crowdfunding o los patrocinios convencionales.

A través de un apartado específico en la web, patrocinado por alguna empresa dedicada al comercio online, podrían ponerse a la venta libros relacionados con los temas que se tratarán en el congreso, especialmente los publicados por los ponentes invitados o por las Universidades organizadoras, o hacer una selección de revistas especializadas para facilitar la suscripción o la compra de números atrasados. En este caso, se podría llegar a un acuerdo con las revistas seleccionadas para que pudieran patrocinar el congreso a cambio de difusión y publicidad, por ejemplo con una página destacada a lo largo de varios números.

Una vez finalizado el congreso, se añadirían al apartado de tienda virtual las actas en versión reducida y ampliada que podrán descargarse gratuitamente (podría utilizarse el sistema de pago por un tweet en el caso de que nuestro público objetivo dominara las redes sociales aunque parece que en este caso no es así).

Las actas en soporte físico, para las que se buscará financiación mediante crowdfunding desde la fase previa del congreso, serán enviadas gratuitamente a las personas que hayan aportado dinero y vendidas a bajo coste al resto de personas interesadas. Además, se llegaría a un acuerdo económico con librerías y revistas especializadas interesadas en distribuirlas con ánimo de lucro.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/04/semana-7-modelos-de-negocio-y.html

Caso práctico - semana 6 #iac11

2011-04-09T21:00:00.003+02:00

La figura del moderador resulta muy importante en las comunidades de aprendizaje especialmente cuando existe una preocupación por los comentarios que puedan aparecer en las redes, o la presencia de contenidos poco adecuados a los objetivos.

El moderador se encargaría de dinamizar y fomentar la participación de los miembros de la comunidad y orientar la actividad académica, además de filtrar, revisar, sugerir y comentar los contenidos en función de su relevancia o su interés.

La moderación podrá recaer en una persona que además de poseer conocimientos amplios sobre la materia tratada, tenga habilidades para la dinamización de comunidades y experiencia y conocimientos en herramientas que permiten filtrar los contenidos, como lectores RSS o marcadores sociales.

Este modelo de moderador es el más apropiado cuando se busca un aprendizaje dirigido, como parece en el caso que se propone, o cuando los miembros de la comunidad no dominan las herramientas de la web 2.0. o no han participado en experiencias similares.

En el caso de que los miembros de la comunidad cuenten con esos conocimientos puede optarse por un modelo de aprendizaje más libre y por la moderación entre iguales, como ocurre en la Universidad P2P o en el Banco Común de Conocimiento.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/03/semana-6-gestion-del-conocimiento-20.html

Caso práctico - semana 5 #iac11

2011-04-01T00:19:00.001+02:00

Un evento expandido debe ser descentralizado, abierto, participativo y colaborativo, y desarrollarse a través de diversos canales o medios que superen los límites de un evento tradicional.

En el caso de un congreso académico expandido, organizado por varias universidades, en el que se pretende que la expansión aparezca desde la fase organizativa sin que ninguna de las universidades sobresalga sobre las demás, puede plantearse la creación de grupos de trabajo en Facebook o Google Groups con varios administradores (un representante de cada universidad). En una fase inicial, estos grupos podrían ser privados y a medida que se avance en la toma de decisiones iniciales, podrían hacerse públicos primero a miembros de los departamentos y alumnos de las universidad implicadas y posteriormente a todo las personas interesadas en los temas tratados. A través de estos grupos, además, podrían compartirse los documentos relacionados con el congreso que los organizados hayan podido ir creando a través de herramientas como Google Docs con los contenidos principales y la definición del congreso.

A medida que se avanza en el proceso y se van sumando participantes y nuevas ideas, los organizadores pueden reunirse de manera interna a través de videoconferencias. Además, puede plantearse la creación de un blog administrado por un representante de cada universidad que se iniciará durante la fase organizativa y que se irá desarrollando en fases posteriores.

Si durante el evento físico los organizadores no permiten la contratación de personal o becarios externos para tuitear, puede habilitarse un hashtag en twitter para que los asistentes puedan retransmitir en directo el congreso a las personas interesadas que no hayan podido asistir. Esto servirá también como estrategia para promocionar el evento y para abrirlo al exterior. Los organizadores o alumnos voluntarios pueden prestarse a formular las preguntas planteadas por los usuarios de twitter y responderlas por la misma vía utilizando el hashtag.

Por último, el evento debe continuar vivo más allá de la fase presencial, para que los contenidos generados puedan ser utilizados en cursos de doctorado impartidos por las universidades organizadoras. En el blog creado durante la fase previa pueden colgarse resúmenes con enlaces a las actas y las comunicaciones y conferencias del congreso en plataformas como issuu, o scribd. También puede plantearse la creación de un canal en youtube para colgar los contenidos en formato vídeo, o la creación de una wiki administrada por las universidades organizadoras, y a la que se invitaría a participar a los asistentes al congreso y a las demás personas interesadas.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/03/semana-5-innovacion-abierta-y-gestion.html

Caso práctico - semana 4: Métodos y técnicas de innovación abierta para desarrollar un proyecto editorial #iac11

2011-03-20T20:18:00.000+01:00

El pensamiento de diseño puede ser un buen método para dinamizar la comunidad de usuarios / miembros internos del proyecto cultural, sobre todo si esta comunidad, que puede constituirse en una primera fase mediante sesiones de focus groups o grupos de discusión, está integrada por personas procedentes de diferentes disciplinas. Al tratarse de una técnica muy completa, basada en la observación y en el análisis de lo observado para plantear retos, que además incluye la ideación y prototipado de las ideas seleccionadas, pueden obtenerse buenos resultados.

La observación de esta comunidad interna deberá estar centrada en los intereses de los usuarios / miembros externos del proyecto, para lo que podría utilizarse de nuevo grupos de discusión (presenciales o virtuales en función del perfil de los participantes) y encuestas abiertas y cerradas para obtener información sobre su relación con la lectura en su contexto cotidiano: sus intereses y expectativas hacia los productos que podemos ofrecerles (líneas editoriales, fórmulas de distribución, niveles de participación...)

Después de obtener estas informaciones, la comunidad de usuarios / miembros internos puede trabajar con la técnica del modelado de personajes elaborando un perfil ficticio a partir de metas, intereses y características de usuarios reales, y escenarios en los que este perfil se desenvolvería. Esto permitiría diseñar nuestro producto en función de la experiencia y conocimientos del usuario final y no en los de los usuarios internos del proyecto.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/03/semana-4-conceptos-metodos-y-practicas.html

Caso práctico - semana 3 #iac11

2011-03-14T20:51:00.002+01:00

Desde el momento en que se pone en marcha un proyecto cultural, como por ejemplo una editorial, hay que tomar decisiones que orienten la fase del diseño del proyecto y la búsqueda de colaboradores.

De entre todas las opciones disponibles se puede plantear un proyecto abierto y colaborativo 100% desde la fase del diseño, realizando lluvias de ideas lo que lo convertiría en un proyecto totalmente orientado a las necesidades e intereses de sus usuarios desde el principio, tratando de buscar un equilibrio para que las decisiones finales estén reservadas a un número limitado de personas que podrían constituir un "equipo base" encargado también de decidir las condiciones de la colaboración de cada una de las personas interesadas.

Los colaboradores surgirían en un primer momento de una red de contactos inicial, que se iría ampliando gracias a la difusión del proyecto entre las redes de cada uno de ellos. Este proceso permitiría conocer las preferencias de los usuarios y descubrir nuevos escritores con los que trabajar. Además, la fase de diseño podría aprovecharse para ensayar nuevas formas y canales de edición y distribución.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/03/semana-3-practicas-sociales-abiertas-y.html

Caso práctico - semana 2 #iac11

2011-03-05T20:20:00.001+01:00

Una empresa multinacional dedicada al transporte de obras de arte, líder en el sector durante años, se encuentra en pleno proceso de reestructuración debido a la caída de los beneficios y a la entrada en el mercado de nuevas empresas que ofrecen servicios diversificados en paquetes integrados.

¿Cuál sería la mejor manera para que la empresa recupere sus beneficios y su posición en el sector?

Abrir canales de comunicación externos y consultar a los empleados de los museos sobre sus necesidades para tratar de darles servicio en aquello que demandan (modelo croudsourcing). Se crearía un proceso similar al que desarrolló Lego para el diseño de la versión 3.0 del kit de robots Mindstorms. En este caso, se abrirían canales de comunicación con antiguos clientes (museos que han empezado a trabajar con las nuevas empresas), con clientes actuales (museos que siguen trabajando con la empresa), y con clientes potenciales (museos con los que nunca ha existido relación). A través de estos canales, los empleados de los museos seleccionados podrían hablar, entre otras cosas, sobre experiencias positivas o negativas relacionadas con el transporte de obras de arte, sobre nuevas necesidades que podrían traducirse en nuevos servicios por parte de la empresa, y sobre el presupuesto que en la actualidad pueden destinar a servicios como el que ofrece la empresa. A medida que avance el proceso, la empresa y los empleados de los museos podrían colaborar en el diseño de un nuevo catálogo de servicios personalizados.

Este tipo de proceso podría repetirse periódicamente unido a una campaña de promoción permanente en las redes sociales que permitiera una mayor difusión.

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/02/semana-2-aproximacion-la-innovacion.html

El papel de los museos en la sociedad red #iac11

2011-02-27T13:48:00.001+01:00

El ICOM define Museo como “una institución sin fines de lucro, un mecanismo cultural dinámico, evolutivo y permanentemente al servicio de la sociedad urbana y a su desarrollo, abierto al público en forma permanente que coordina, adquiere, conserva, investiga, da a conocer y presenta, con fines de estudio, educación, reconciliación de las comunidades y esparcimiento , el patrimonio material e inmaterial, mueble e inmueble de diversos grupos (hombre) y su entorno”. De esto se deduce que los museos deben ser lugares orientados hacia la comunidad, y el patrimonio que conservan y el conocimiento que generan pueden considerarse bienes públicos que deben ser accesibles para todas las personas sin excepción pero...

¿de qué manera se puede garantizar un acceso universal y real a esos bienes públicos independientemente de la ubicación física del usuario?

Actualmente, los museos se encuentran inmersos, en mayor o menor medida, en un proceso de adaptación a la sociedad red similar al descrito por J. Francisco Álvarez en en el artículo “Ciberciudadanía, cultura y bienes públicos” sobre el e-gobierno: no basta con informatizar procesos o servicios básicos porque “si no se ofrecen nuevos servicios posibilitados por las nuevas tecnologías, posblemente no se podrán ofrecer ni siquiera los tradicionales de manera efectiva” y todavía queda mucho camino por recorrer hasta que se puedan ofrecer servicios novedosos acordes a las nuevas formas de relación social surgidas en el marco del nuevo espacio sociotécnico.

La digitalización de los fondos y su consulta a través de internet (independientemente del navegador que utilice el usuario) como ocurre con la Red Digital de Colecciones de Museos de España, promovida desde el Ministerio de Cultura con 68 museos de diferente titularidad, o propuestas más dinámicas como el Google Art Project permiten el acceso a los bienes albergados por los museos por parte de usuarios de todo el mundo pero todavía muchos museos son reacios a hacer públicas sus colecciones, por desconocimiento o por falta de recursos. Este tipo de procedimientos junto a otros como la posibilidad de descargar en diferentes formatos (audio, vídeo o texto) los resultados de jornadas, congresos, conferencias o publicaciones, contribuyen a consolidar las labores de conservación y divulgación de los museos definidas por el ICOM a través de la tecnología y aunque su generalización supondría una importante revolución en la sociedad de la información y el conocimiento, todavía quedan algunas preguntas en el aire:

¿cómo conseguir que el museo sea un “mecanismo cultural dinámico, evolutivo y permanentemente al servicio de la sociedad urbana y su desarrollo”?

Esta parte de la definición implica una comunicación bidireccional entre el museo y sus usuarios, orientada no sólo a transmitir conocimiento sino a producirlo. La retransmisión vía streaming de conferencias, congresos y otro tipo de actividades que se desarrollen, y el uso inteligente de las redes sociales dentro y fuera de los límites físicos del museo pueden contribuir a crear comunidades virtuales. Si en vez de prohibir la realización de fotografías para uso privado, se fomentaran espacios para compartir como grupos en Flickr, la relación entre los museos y sus visitantes podría llegar a ser más estrecha y fluida. Algo similar ocurriría con el uso de dispositivos móviles en las que los usuarios podrían descargar audioguías o aplicaciones para facilitar su visita. La National Gallery de Londres y otros, ya permiten hacerlo pero ¿podrán los usuarios de esas aplicaciones o de cualquier dispositivo con conexión a internet, añadir comentarios o fotografías de detalles, marcar sus obras favoritas, o establecer relaciones entre ellas para que otros usuarios puedan acceder a esa información y utilizarla para generar nuevos contenidos y ponerlos a disposición de la comunidad? ¿Llegarán a considerarse este tipo de acciones orientadas a producir nuevas formas de relación entre personas, personas e instituciones, personas y tecnología, personas y cultura, igual de necesarias que las exposiciones?

http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/02/semana-1-el-nuevo-marco-tecno-social.html

Espacios

2011-02-20T11:50:00.000+01:00

A principios de febrero, Valentín Jaramillo inauguró la exposición "Espacios" en la Galería María Llanos de Cáceres que podrá verse hasta el próximo 6 de marzo.

"Espacios" es una serie de fotografías preparadas con las que trata de investigar el impacto que provoca sobre el espectador la puesta en escena. Después de seleccionar los escenarios, Valentín Jaramillo interviene sobre ellos y los transforma teniendo en cuenta desde el color de las paredes, los muebles y el vestuario, hasta la posición de los objetos y los personajes y la iluminación. Esta intervención es siempre anterior a la fotografía y en ningún caso se utiliza el retoque digital para añadir elementos. Todo lo que vemos forma parte de la escenografía, incluso las letras o los garabatos (aparentemente hechos por niños) que parecen superpuestos a la imagen y que en realidad están pintados sobre diferentes elementos del escenario, como "dibujados en el espacio".

Doodle 4 Museums

2011-02-15T13:54:00.000+01:00

Doodle 4 Museums es una campaña para que el próximo 18 de mayo, el Día Internacional de los Museos, se celebre también en internet a través de un doodle (o logotipo conmemorativo) de Google.

El Día Internacional de los Museos es una iniciativa del ICOM que se celebra anualmente desde 1978 con el objetivo de acercar los museos a la sociedad. El año pasado, más de 30000 museos de 95 países realizaron actividades para celebrar este día. Este año, el lema propuesto por el ICOM es "Museo y Memoria".

Doodle 4 Museums busca conseguir el apoyo de museos de todo el mundo, especialmente los que están presentes en internet, y de sus visitantes, a través de una web, y de perfiles en Facebook y Twitter.

Petit Grand Tour

2011-02-13T19:33:00.000+01:00

Petit Grand Tour, la exposición actual de la Galería Casa sin fin de Cáceres, es una serie de 51 fotografías en blanco y negro, y de pequeño formato realizadas entre agosto y octubre de 2007 por Jorge Ribalta tras un encargo en el que le pedían que diera vida a las estatuas romanas de la ciudad de Tarragona. Para conseguirlo, tomó como modelo el Grand Tour, y decidió fotografiar no sólo las estatuas, sino también todas los restos arqueológicos y los monumentos conservados de esa época, y las actividades que se producen en torno a ellos, que son las que les dan vida y construyen la historia actual de la ciudad, como podrían hacerlo en cualquier otra ciudad con un pasado histórico similar, aunque con frecuencia pasan desapercibidas: las obras de reforma y urbanización de los monumentos, el trabajo diario del museo arqueológico, la recreación de la vida cotidiana de época romana por parte de asociaciones vecinales o las visitas de los turistas.

Vip Art Fair

2011-01-26T17:31:00.002+01:00

La VIP Art Fair es la primera feria de arte contemporáneo celebrada exclusivamente en internet. Se trata de una iniciativa de James y Jane Cohan, de la Galería James Cohan de Nueva York, y los empresarios de internet Jonas y Alexandra Almgreen, junto a la aseguradora de arte AXA, como principal empresa colaboradora, y cuenta con 139 galerías de más de 30 países, entre las que se encuentran las españolas Elba Benítez y Juana de Aizpuru.

Esta feria virtual ofrece muchas ventajas a las galerías: por una parte, supone un ahorro importante respecto a las ferias convencionales, en las que al alquiler del stand hay que añadir el transporte y alojamiento, y por otra permite llegar a públicos / coleccionistas más amplios que no tienen que desplazarse de ciudad o país para conocer las últimas tendencias o comprar obras. Precisamente por esto, durante los dos primeros días hubo problemas con los accesos y el funcionamiento general era bastante lento. (Yo personalmente tengo problemas todavía para que se me carguen algunas fotos y no me funciona bien la opción de guardar favoritos). Además, por problemas técnicos, se ha desactivado el chat que permitía a los visitantes con pase VIP (de 100$ y 20$) contactar directamente con los galeristas, aunque de momento siguen activas las demás funciones que les diferencia del registro gratuito: el acceso a los espacios de almacenamiento de las galerías, los avisos cuando se cuelga una obra nueva en un stand o la posibilidad de filtrar las obras que más se ajusten a sus expectativas económicas.

En general, me parece una iniciativa interesante con algunos recursos muy buenos como la opción de ver las obras a escala humana o el zoom aunque creo que deberían hacer trabajado un poco más la interacción de los usuarios, por ejemplo, permitiendo valorar y comentar las obras, con la opción de visitar las obras más comentadas o valoradas.

Y ahora un poco de la VIP Art Fair en imágenes:

Kids in museums

2011-01-17T17:31:00.002+01:00

En marzo de 2003, la escritora Dea Birkett fue expulsada junto a su familia de la Real Academia de Londres cuando su hijo pequeño, de dos años, gritó "¡Monstruo!" ante una de las esculturas expuestas. Dea Birkett publicó en The Guardian lo que había sucedido y recibió cientos de cartas en las que otras familias se quejaban del ambiente poco acogedor que se respiraba en los museos y galerías del país. Unos meses más tarde, The Guardian publicaba el primer manifiesto Kids in Museums (Niños en los museos), elaborado a partir de los comentarios enviados por visitantesde museos y convocó el The Guardian Family Friendly Museum Award, que se convirtió en el primer premio que un museo británico recibía de un jurado formado por familias y niños. The Guardian se hizo cargo de esta iniciativa hasta el año 2005.

A partir del año 2006, Kids in Museums se convierte en una iniciativa independiente que trata de orientar a los museos británicos en su tarea de convertirse en espacios más agradables para las visitas en familia a través de manifiestos anuales y actividades que fomentan la participación activa y conjunta de los niños y sus familias dentro de los museos. Ahora acaban de lanzar el manifiesto del año 2011, que ofrece veinte maneras de hacer más agradable las visitas de las familias y que empiezan por implicar a todo el personal del museo para garantizar su comodidad. Además, se hacen recomendaciones para convertir los museos en espacio de debate, dar a conocer por qué las piezas no pueden tocarse o manipularse, favorecer el diálogo intergeneracional y las actividades conjuntas (no sólo para los niños) en espacios diferenciados para el juego o la reflexión, fomentar el factor sorpresa, o utilizar internet como medio de comunicación con este tipo de público antes y después de las visitas.

El manifiesto Kids in Museums 2011 puede descargarse aquí

El estudio de Ai Wei Wei

2011-01-12T20:18:00.000+01:00

Ai Weiwei es un artista chino nacido en 1957, hijo del poeta Ai Qing. En su faceta de arquitecto, participó junto a Herzog y Meuron en el diseño del estadio de los Juegos Olímpicos de 2008 celebrados en Pekín, aunque pronto se mostró muy crítico con el uso político que se le dio al edificio e incluso se negó a acudir a la ceremonia de inauguración. Además, por su oposición al régimen chino fue agredido por la policía cuando estaba a punto de testificar en un juicio a favor de un activista que había denunciado en su blog que la mala construcción de algunas escuelas fue la causa de la muerte de miles de niños durante el terremoto de 2008. La agresión le provocó un derrame cerebral.

En octubre del año pasado inauguró en la Tate Gallery de Londres su instalación Pipas de girasol que tuvo que ser parcialmente cerrada al público tres días después por posibles problemas para la salud acompañados de rumores sobre posibles robos por parte de los visitantes. Días después, diez mil pipas de los más de 100 millones que componían la instalación fueron vendidas por 0,50 yuanes cada una a través de una página de internet.

Ahora, Ai Wei Wei ha vuelto a ser noticia: el gobierno chino derribó ayer su estudio de Pekín, a pesar de que el artista siempre ha asegurado que fueron las autoridades del país quienes le animaron a construirlo para favorecer el desarrollo de un nuevo barrio artístico. Todo el proceso de demolición fue retransmitido en Twitter por el artista y por algunos de sus seguidores, que han colgado imágenes en flickr.

En Cáceres, una escultura de Ai Wei Wei, titulada Divina Proporción, es la que nos da actualmente la bienvenida al entrar en el Centro de Artes Visuales Helga de Alvear.

Small Scale, Big Change

2011-01-01T21:35:00.001+01:00

Small Scale, Big Change: News Arquitectures of Social Engagement (Pequeña escala, gran cambio: nuevas arquitecturas de compromiso social) es una exposición que puede verse en el MoMa de Nueva York hasta el 3 de enero y que muestra cómo once proyectos arquitectónicos innovadores, situados en lugares marginales o en vías de desarrollo de los cinco continentes, han servido para favorecer el desarrollo social y económico de las comunidades en las que se ubican.

Todos estos proyectos tienen en común un diseño funcional, basado en los objetivos del edificio, la elección de prácticas y materiales sostenibles procedentes casi siempre de la arquitectura tradicional de cada lugar y la participación de habitantes de la zona para su ejecución, que de esta forma han podido aprender diferentes técnicas de construcción.

Se trata, como se dice en la web de la exposición, de "intervenciones limitadas con efectos de alto alcance", creadas por arquitectos que son, al mismo tiempo, "moderadores del cambio".

Cada proyecto aparece con un texto resumen, datos sobre el arquitecto, archivos de audio, vídeos y galerías de imágenes que recogen planos, mapas, procesos de construcción...

Estos son algunos ejemplos:

Escuela primaria en Gando (Burkina Faso)

Proyecto del arquitecto Diébédo Francis Kéré en su ciudad natal, realizado entre 1998 y 2001. Gracias al reconocimiento internacional recibido se han construido viviendas para los maestros y se espera construir una biblioteca y un centro para mujeres.

METI - Colegio hecho a mano. (Rudrapur, Bangladesh)

Proyecto de Anna Heringer y Eike Roswag construido entre 2004 y 2006 como respuesta a las escasas oportunidades educativas que existían en Rudrapur. Casi toda la construcción fue realizada por trabajadores locales y se ha fomentado el interés por la arquitectura en la zona.

Ciudad de las Artes (Los Ángeles)

Proyecto de Michael Maltzan construido entre 2004 y 2006 en un barrio marginal de Los Ángeles. Gracias a programas de colaboración con centros educativos, ofrece a los jóvenes formación gratuita a cargo de artistas profesionales.

Red Location Museum (Port Elizabeth, Sudáfrica)

Proyecto de Noero Wolff Arquitects realizado entre 1998 y 2005 en Red Location, una de las ciudades más antiguas de Sudáfrica, que actualmente forma parte de Port Elizabeth. El museo, dedicado al apartheid, cuenta con una biblioteca, un archivo de la ciudad y varios espacios comunitarios que tratan de eliminar la segregación racial característica del lugar.

Claude Monet (1840 - 1926). Visita virtual

2010-12-18T14:12:00.000+01:00

Hasta el próximo 24 de enero se puede ver en París (Galerías Nacionales / Grand Palais) la exposición "Claude Monet (1840 - 1926)". Se trata de la exposición más grande dedicada al artista, con 170 obras y una pequeña polémica: el Museo Marmottan - Monet no sólo no ha querido ceder para la ocasión la pintura "Impresión: sol naciente" de 1872-3 , que forma parte de su colección permanente y que dio nombre al impresionismo como movimiento, sino que ha montado una exposición paralela sobre el artista, aunque más modesta, que puede verse hasta febrero de 2011. Además de esto, la exposición del Grand Palais tiene entre sus objetivos superar los 800000 visitantes de la exposición "Picasso y los maestros", que se celebró en el mismo espacio durante el año 2008.

Todo este despliegue se ha trasladado a una impresionante web donde podemos acercarnos a la obra de Monet a través de dos vías diferentes y complementarias: la galería y el viaje, con música de fondo de Debussy, Mussorgsky y Charles Griffes, vinculados al impresionismo musical. Se trata de una visita virtual diferente a las que se suelen ofrecer desde los museos.

La galería permite ver todas (o casi todas) las obras de la exposición marcando recorridos para cada uno de los bloques temáticos en los que está dividida a través de líneas que unen y relacionan los cuadros entre sí a medida que avanzamos. Cada imagen nos conduce a otra hasta que terminamos el recorrido. Además, también podemos visitar las obras haciendo consultas en un buscador o a través del listado alfabético. Las imágenes, que están acompañadas de breves descripciones, tienen una altísima resolución que deja ver todos los detalles de las obras.

El viaje, que en la web se presenta como una experiencia digital única es mucho más sorprendente. Conectando nuestro micrófono y web cam podemos interactuar con algunas obras seleccionadas para la ocasión y por ejemplo podemos convertir en primavera el paisaje invernal de El carro, carretera bajo la nieve en Honfleur, de 1865, o mover las aspas del molino del cuadro Campos de tulipanes en Holanda, de 1886, solamente con soplar.

Damián Flores: Proceso de un rodaje pictórico

2010-12-14T17:09:00.001+01:00

Esta tarde la Galería Estampa de Madrid inaugura la exposición "La Gran Vía", con la que el artista Damián Flores repasa la historia de esta calle hasta casi la actualidad, a través de la evolución de su arquitectura y sus locales emblemáticos, pero también de acontecimientos que la alteraron temporalmente, como la guerra civil o los rodajes de algunas películas. Para realizar todas estas pinturas, ha utilizado como referencia fotografías de diferentes épocas, algo que es bastante habitual en su trabajo.

Lo que me ha llamado la atención es que, dentro del apartado de novedades de su web, ha incluido lo que ha llamado "Proceso de un rodaje pictórico", donde se puede ver de principio a fin la evolución de una de las pinturas presentes en la exposición: "El rodaje de Edgar Neville", a través de siete imágenes que recogen las siete sesiones en que fue realizada.

WiiSpray / WeSpray

2010-12-01T21:53:00.000+01:00

WiiSpray es un experimento técnico (y una tesis doctoral) que surge tras una estancia en Lisboa de Martin Lihs, estudiante de diseño de la Universidad de Weimar. Allí conoció a Target, un artista callejero portugués, y empezó a interesarse por el mundo del graffiti. En concreto, le interesaba responder a varias preguntas:

¿Es posible crear una herramienta que permita a una o más personas interactuar creativamente independientemente del espacio y el tiempo?

¿Es posible intercambiar pensamientas e ideas a través de ella?

¿Pueden las personas que han sido observadoras participar en el proceso de creación?

El resultado es "una interfaz innovadora (basada en la tecnología wii) que lleva al graffiti a un nuevo nivel virtual", atractiva y fácil de usar, que permite a sus usuarios guardar sus creaciones digitales o incluir elementos propios como gráficos, texturas o fondos sobre los que pintar con un falso bote de spray en el que se integra el mando de la wii. Se trata de un juego que favorece la actitud creativa, introduce a quienes lo usan en la técnica del graffiti de una manera interactiva y permite hacerlo sin ensuciar el entorno.

WiiSpray Teaser from Martin Lihs on Vimeo.

Actualmente, Martin Lihs trabaja en una nueva versión que no dependerá de Wii para funcionar, y se llamará WeSpray. Según ha anunciado en la web oficial del proyecto, esta versión, realizada en código abierto, será compatible con casi todas las consolas y ordenadores.

Límites en el arte: animales y alimentos

2010-11-27T16:47:00.000+01:00

Hace tiempo que existe la polémica sobre el uso de animales en el mundo del arte. Evidentemente, es un tema complicado. No me parece bien que los artistas utilicen a los animales como reclamo en sus obras, ni que esto empiece a ser una práctica más o menos generalizada, pero pienso que es necesario analizar cada obra de manera independiente y tener en cuenta que no se pueden sacar las cosas de quicio y utilizar el término "maltrato animal" tan alegremente que deje de tener sentido.

En septiembre se vivió en Cáceres una polémica muy intensa como consecuencia de la instalación Zorba que Ismael Alabado presentó en Habana Espacio Libre. En ese caso, cientos de grillos vivos fueron pegados a la pared, mientras que los visitantes a la exposición veían cómo iban muriendo. Eso, por supuesto, es maltrato animal, pero también tengo que decir que fue una instalación oportunista y vacía de contenido. Una ocurrencia.

Ahora, La Casa Encendida presenta From here to ear con motivo de la exposición On&On, la primera que trata sobre el arte efímero en España. La instalación es obra del francés Celeste Bousier Mougenot, un músico que decidió trabajar en el ámbito de las artes visuales porque sus composiciones no eran válidas para las salas de conciertos convencionales. From here to ear está formada por varias guitarras eléctricas y amplificadores situados en un entorno que simula la naturaleza y que acoge a varios pájaros que, cuando se posan sobre las cuerdas de la guitarra, van elaborando una composición musical basada en el azar.

En este caso, a mí personalmente me parece desproporcionado hablar de maltrato animal. De hecho, aunque es la primera vez From hear to hear se muestra en España, ya ha pasado por varios lugares de Francia y en ningún momento ha sido objeto de ninguna denuncia en ese sentido. Es más, creo que la vida de los pájaros y mantenerlos en unas condiciones favorables es fundamental para la obra. ¿Para qué crear algo así, y tener a los pájaros, que son protagonistas de la obra, en un estado que no les permitiera actuar sobre ella y producir sonidos con la guitarra? Esta instalación tiene mucho de fluxus, un movimiento que, como me dijo Gino Di Maggio, está siempre a favor de la vida.

Celeste Boursier Mougenot from COMPLEX on Vimeo.

Creo que si debemos reflexionar sobre la presencia de animales en el arte, también es necesario que reflexionemos sobre el uso de alimentos. En la misma exposición donde se encuentra la instalación de los pájaros hay varios kilos de fresas, y un esqueleto hecho con pan y huevo, con el único objetivo de que veamos cómo se pudren. Además, el Museo Tinguely de Basilea expone actualmente, dentro de la exposición "En destrucción", una instalación de Johannes Vogl que consiste en un artefacto que lanza al suelo tostadas untadas con mermelada. ¿Esto es más ético que poner a unos pájaros a tocar la guitarra?

Claire Morgan

Johannes Vogl

Michael Blazy

Art Academy en el Museo Thyssen

2010-11-23T13:19:00.001+01:00

El Museo Thyssen, a través de su área de educación EducaThyssen, y Nintendo han lanzado un concurso internacional de pintura con Art Academy, un simulador que permite aprender a dibujar y pintar paso a paso, mediante diez lecciones y ejercicios y un entorno que reproduce las técnicas tradicionales, de manera que permite apreciar cómo varía el resultado final de nuestra obra dependiendo, por ejemplo, del tipo de pincel que escojamos. Para participar en el concurso es necesario registrarse en la web y colgar un vídeo en el que se vea cómo se elabora la pintura, antes del 31 de enero de 2011. A mí, personalmente, me parece un sistema un poco complicado, pero después de ver la cantidad de vídeos de ese tipo que hay en Youtube, imagino que no faltarán concursantes.

Educathyssen, gracias a un convenio de colaboración con Nintendo España, participa en el asesoramiento de educación artística del juego como parte de su reciente investigación sobre el potencial educativo de las nuevas tecnologías en diferentes tipos de público, independientemente de su edad, formación o conocimientos previos a través de varias actividades. Uno de sus objetivos es conocer las posibilidades de este tipo de juegos para la estimulación de personas con alzheimer.

A través de su canal de Youtube, Educathyssen muestra las técnicas empleadas en algunas de las obras de su colección y explica cómo reproducirlas con la consola.

El Museo Diario

2010-11-22T19:33:00.000+01:00

Hace unos días, Soledad Gómez puso en marcha una iniciativa bastante interesante: el Museo Diario, un periódico sobre museos, actualizado cada 24 horas, gracias a Paper.li, una herramienta gratuita que lee los enlaces publicados en Twitter por un usuario individual, una lista o un hastag, los agrupa y los ofrece con la estructura de un periódico.

Los contenidos del Museo Diario son aportados por una lista de más sesenta usuarios de Twitter, entre los que estoy yo. En las imágenes están señaladas mis aportaciones al Museo Diario de hoy.

Wunderkammer / White Noise

2010-11-14T18:23:00.002+01:00

Hasta el día 19 26 de noviembre, la Sala El Brocense acoge la exposición Wunderkammer / White Noise, compuesta por dibujos, fotografía, pintura, instalación y una pieza de vídeo de Javier Roz, artista nacido en Plasencia que reside en Málaga desde 1985.

Javier Roz es uno de los artistas extremeños con mayor proyección de los últimos años. Trabaja habitualmente con galerías de dentro y fuera de España y a sus exposiciones individuales y colectivas hay que añadir su presencia dos años en ARCO, en el stand institucional de la Junta de Andalucía y en el del MEIAC.

Wunderkammer / White Noise toma como punto de partida los gabinetes de curiosidades o cuartos de maravillas que, desde el Renacimiento y hasta el nacimiento de los actuales museos, mostraban objetos de diferentes tipologías y procedencias, unidos solamente por el gusto de su coleccionista. En este caso, Javier Roz ha actuado como coleccionista de una serie de elementos que se repiten a lo largo de todos sus proyectos y que han ido formando su iconografía personal, junto a las influencias que toma especialmente de la literatura: el círculo, el hombre - pájaro, el hombre - árbol, las raíces, los paisajes desoladores, las cajas, los lápices, las piedras, los insectos... o cuestiones esenciales del ser humano que trata de resolver a través de H., un personaje anónimo al que, curiosamente, representa autorretratándose.

Javier Roz - Wunderkammer (4 small pieces) 2010 from Javier Roz on Vimeo.

El catálogo de la exposición puede descargarse pinchando aquí.

¿Esto es una pintura?

2010-11-08T21:58:00.003+01:00

Desde el pasado mes de octubre, el MoMa acoge la exposición "Abstract Expressionist New York", con obras de Jackson Pollock, William De Kooning, Mark Rothko, Robert Motherwell, Lee Krasner... y en total 33 artistas.

Me parece muy interesante el micrositio que se ha creado como elemento promocional y como herramienta para acercar al público el contenido de la exposición y las características que definen el expresionismo abstracto y su relación con la ciudad de Nueva York.

En primer lugar, porque es una web interactiva en la que, además de poder encontrar información práctica, datos sobre los artistas y las obras expuestas, y comprar entradas, se sitúan, sobre un plano de la ciudad de Nueva York (también disponible en GoogleMaps), diferentes lugares relevantes en la evolución del expresionismo abstracto: estudios de artistas, locales en los que se reunían, galerías de arte que apoyaron su trabajo... Cada uno de estos puntos cuenta con textos explicativos y fotos, y en algunos casos también con vídeo o audio.

En segundo lugar, porque la web incluye un apartado de terminología artística relacionada con el proceso de trabajo propio del expresionismo abstracto a través de textos, fotografías y vídeos explicativos.

Además, en la galería multimedia se incluyen varios vídeos en los que Ann Temkin, comisaria jefe de Pintura y Escultura del MoMa, y otros expertos como Corey D'Augustine, explican el proceso de trabajo de cinco de los artistas presentes en la exposición: Jackson Pollock, Mark Rothko, Frank Kline, Ad Reinhart y Barnett Newman. Según se explica en el blog del MoMa, el objetivo es "ayudar a los visitantes a reconocer la complejidad de esos trabajos que con frecuencia parecen simples".

En el mismo blog, se recoge un fragmento del vídeo sobre Jackson Pollock, que resulta bastante curioso, sobre todo porque plantea una pregunta que mucha gente se hace cuando se encuentra con este tipo de obras:

"Cuando estaba en su estudio, en Long Island, le pidió a su esposa, Lee Krasner, que fuera a ver lo que había hecho, y le preguntó ¿Esto es una pintura?. No le preguntó si se trataba de una buena pintura, o de una gran pintura. Ni siquiera él estaba seguro de que fuera una pintura".

En el vídeo se explica el proceso de trabajo de Pollock y se resalta la importancia de que, cuando nos encontremos ante una de sus obras, nos imaginemos el lienzo sobre el suelo y a nosotros mismos moviéndonos e interactuando a su alrededor.

El vídeo sobre Pollock, en inglés:

Domingo Frades

2010-11-03T11:57:00.000+01:00

Hace unas semanas, conseguí el número 5 de la revista "El casco", publicado en marzo de 2009. La revista "El casco" es una revista - objeto - fanzine independiente de pequeño formato que se publica en Badajoz desde octubre de 2008 con una tirada de aproximadamente cuarenta ejemplares. Cada número cuenta con la colaboración de varios artistas que participan con sus dibujos, fotografías o textos y está dedicado a un tema monográfico: el casco antiguo de Badajoz, la policía local, el viaje, la carne, las marcas, el casco histórico de Cáceres...

El número 5 está dedicado a Domingo Frades, que murió en San Martín de Trevejo en enero de 2009, un año después de que se publicara "Maniático de los escaparates", por iniciativa de Antonio Gómez y Luis Costillo entre otros, con una selección de dibujos realizados entre 1998 y 2002.

La revista sirve para conocer la faceta más personal de Domingo Frades, a través de dibujos, fotografías, textos o cartas de amigos y personas que le conocieron. También se incluyen ilustraciones y dibujos de Domingo, fechados en 1994 y 2001, y fragmentos de las cartas que envió a su amigo Cisco Bellabestia, uno de los promotores de El Casco.

Lady Warhol

2010-10-30T13:24:00.000+02:00

La Fábrica ha editado Lady Warhol, un libro que recoge más de cien fotografías realizadas por Christofer Makos a Andy Warhol dentro del proyecto Imagen Alterada, que surgió en 1981 tras una conversación entre ambos partiendo de las fotografías que sesenta años antes Man Ray había realizado a Marcel Duchamp caracterizado como su álter ego Rrose Selavy. Durante 48 horas, Andy Warhol fue fotografiado en el estudio de Makos con ocho pelucas diferentes que previamente los dos artistas habían comprado en una tienda de la calle 57 de Nueva York.

Open publication - Free publishing - More photography

En la introducción del libro, Makos define el proyecto como "un muestrario sobre la identidad y la identidad cambiante" y se refiere a Warhol como un "artista obsesionado por la imagen y la apariencia de las cosas y que volvía una y otra vez al retrato en sus diferentes formas para intentar reflejar lo que veía". En este proyecto, Andy Warhol era el modelo y según Makos las imágenes muestran "apertura y vulnerabilidad y también la necesidad que Andy sentía de expresarse. Era un aspecto que raramente exhibía en público". En realidad, Andy Warhol es conocido, especialmente, por los retratos que realizó, entro otros, a personajes como Liz Taylor, Mao Tse Tung, Mick Jagger o Marilyn Monroe.

Retrato de Marilyn Monroe en el
Centro Helga de Alvear de Cáceres

En el Museo Warhol de Pittsburg se explican las técnicas empleadas por el artista en sus retratos y en el resto de sus obras a través de varias actividades.

MOVIC Cáceres

2010-10-28T21:46:00.001+02:00

Hasta el viernes Cáceres acoge el proyecto MOVIC (Movilidad creativa en albergues) con motivo del VII Encuentro de Directores de Albergues Juveniles.

MOVIC es un programa de encuentros de artistas que se ha desarrollado durante este año en Zaragoza, Miranda de Ebro, Córdoba, Lugo y Vic. Para cada proyecto se han seleccionado aproximadamente diez artistas, que se alojaban en albergues juveniles para realizar intervenciones urbanas en cada una de las ciudades. Entre todos elegían una base común sobre la que desarrollar las instalaciones. En Cáceres se han elegido las cajas de cartón. En total, han sido más de cincuenta los artistas, y entre ellos, una extremeña, Abigail Narváez, que ha participado en Cáceres y Lugo.

Intervención de Abigail Narváez en MOVIC Lugo

En Cáceres, MOVIC se ha desarrollado en tres espacios: el hotel Don Manuel, el campus universitario y la Plaza de Santa María.

Instalación de MOVIC en el campus universitario

Hotel Don Manuel

Damien Hirst y la señora que leía folletos del Lidl

2010-10-20T20:51:00.003+02:00

Reconozco que nunca me gustó del todo una de las últimas iniciativas promovidas desde el Espacio BelleArtes: un proyecto artístico colectivo en el que se invitaba a través de las redes sociales a reinterpretar la fotografía de una mujer que tiene por costumbre sentarse en un banco cada mañana para leer el folleto del Lidl con su perro al lado. Lo que me ha resultado especialmente curioso ha sido la parodia que se ha hecho de una posible reinterpretación de Damien Hirst, que, por supuesto, metería a la mujer en formol, y sobre su posible repercusión en los medios.

Damien Hirst es el artista más polémico (y más rico) de los últimos años. Ha vendido animales muertos conservados en formol, y en ocasiones diseccionados, a precios desorbitados, que con el paso de muy poco tiempo presentan problemas para su conservación. También formó junto a su galerista un "grupo de inversión no identificado" para comprar su obra "For the love of God" (Por el amor de Dios), una calavera de platino con 8601 diamantes incrustados en una subasta organizada por Sotheby's durante el verano de 2007. Era todo una estrategia subir su cotización y conseguir que fuera la obra más cara vendida por un artista vivo. Su afán por las ventas no sólo le ha llevado a contar con un equipo de colaboradores que le ayudan a producir sus trabajos en serie para satisfacer su demanda, sino que además ha sido objeto de parodias, como la polémica escultura que realizó Eugenio Merino con el título For the love of Go(l)d en la que ese afán se lleva a una situación límite: el artista británico se suicida en una estrategia para que suba el precio de sus obras.

Ahora no sabemos qué hará, pero después de haber sido acusado de plagio y de haber perdido su diario parece que sus ventas se han reducido considerablemente en el último año y la semana pasada la casa de subastas Christie's vendió uno de sus cuadros de mariposas por debajo del precio mínimo estimado.

Pipas de girasol II

2010-10-17T18:51:00.001+02:00

La instalación de más de cien millones de pipas de porcelana que Ai Weiwei preparó para la Tate Gallery de Londres no ha estado abierta ni tres días. La gran afluencia de público que acudió para verlas, tocarlas y pasear por encima (pueden verse fotos en algunas webs) generaba un polvo que era perjudicial para la salud, aunque en algunos medios se ha hablado de que la verdadera razón es que los visitantes cogían algunas de las pipas como recuerdo.

El diario británico The Guardian, el día de la inaguración de la exposición, publicó el artículo ¿Está bien robar una pipa de la Sala de Turbinas? en el que se recogían unas declaraciones del artista sobre esto:

"Si yo fuera parte del público me gustaría coger una pipa, pero para el museo es una obra total y coger una pipa afectaría al trabajo. Las instituciones tienen sus propias políticas, pero a mí me gustaría coger una".

Al final, sea cual sea la razón, los visitantes tienen que conformarse con ver la instalación desde lejos.

The big face y otros juegos educativos sobre arte contemporáneo

2010-10-16T10:46:00.000+02:00

Hace unos días a través de Twitter descubrí una iniciativa que se está llevando a cabo en Reino Unido, y en todo el mundo, gracias a internet, durante este mes para promocionar en las aulas el dibujo artístico como una herramienta para el pensamiento, la creatividad y el compromiso social y cultural a través de las nuevas tecnologías: The Campaign for Drawing, apoyada, entre otros, por el arquitecto Norman Foster y el pintor David Hockney.

Una de las actividades que se están desarrollando es The Big Face, y consiste en crear un gran retrato a partir de los autorretratos creados por los niños en las aulas con la ayuda de espejos o por cualquier persona que decida participar en el proyecto a través de internet. La base o el modelo que se sigue para los autorretratos es el estilo creado por Julian Opie para sus retratos, porque es sencillo y utiliza sólo las líneas esenciales.

The Big Face es un proyecto creado por el portal de internet ArtisanCam, diseñado por la organización Artists at Work con el objetivo de ayudar a los docentes a desarrollar un curriculo creativo que permita a los niños de entre 7 y 14 años acercarse al arte contemporáneo. Los contenidos que ofrece son muy variados: vídeos de los artistas durante su trabajo, interactivos con los que aprender a hacer esculturas con materiales reciclados, collages o mosaicos, y juegos online de todo tipo: fotografía, pintura, comic, escultura, land art, pop art, color, perspectiva... y uno muy curioso sobre crítica de arte, en el que se puede poner nota a las obras mientras vemos unos vídeos en los que varios niños dan su opinión sobre cada una de ellas.

Más muertas vivas que nunca

2010-10-13T19:06:00.000+02:00

Hasta el próximo mes de diciembre, el Centro de Arte Ca L'Arenas del Museo de Mataró presenta el ciclo de vídeo Warlike: atlas de un mundo difícil, que se enmarca dentro de la temporada 2009 / 2010 sobre Arte y Guerra.

Marta de Gonzalo y Publio Pérez participan en el ciclo con su proyecto "Más muertas vivas que nunca", que fue producido por el MEIAC en el año 2002 y que trata sobre la matanza de Badajoz de agosto de 1936, especialmente sobre las mujeres asesinadas, con el objetivo de construir un panteón popular, de servir como denuncia poética y evitar que se olviden los hechos de nuestro más pasado más inmediato. Pero también es una crítica a lo que ellos llaman "monumentos vivos" audiovisuales, manipulados según intereses políticos o históricos, sin que podamos escuchar a los protagonistas.

Por eso, en Más muertas vivas que nunca se funden imágenes de la historia del arte (el cuadro El peinado de Degás, que les sirve para hacer una reflexión sobre la mujer como "colectivo sometido al poder y al deseo, la infancia mediada, la violencia política y la muerte"), con imágenes de archivo y con la voz de una de las mujeres asesinadas en Badajoz, que, según dice el programa de Warlike (en catalán), "habla desde la muerte, entendida como un estado mental de expectativa de lo que los vivos pueden hacer de sus sociedades. Está triste por su lucha estéril, por la facilidad con que el olvido contribuye a la pérdida de derechos, y por la facilidad con que se dañan la energía y la muerte de otros, esos otros anteriores en el tiempo, que lucharon para hacer del mundo un lugar mejor. Esta mujer está muerta pero no del todo, ya que aún son visibles algunas de las consecuencias positivas de su sacrificio".

Agosto calienta y huelo mi cuerpo vivo en sus cuerpos.

Recuerdo y aprendo

Sus días se abren camino desde mis carnes,

por raros, por inconformistas, por libres, por ilusionados.

Me quiero morir pero no puedo,

porque aquí en la noche

pienso, siento siempre

con el cerebro que ya no tengo.

Recordar me hace más viva,

porque en mis ojos se prometían estos otros ojos,

los de aquellas personas que hoy los cierran al sol.

Un latido agarrado a la boca del estómago 65 años

se deja confundir con un grito, una risa o un gemido.

Huelo sus cuerpos vivos en mi yo

que respira y huele desde ellos ahora.

Un objeto pequeño se abre camino entre sus mis carnes,

por curiosas, por justas, por creativas, por soñadoras.

El vídeo puede verse en este enlace

Pipas de girasol

2010-10-12T20:28:00.001+02:00

El suelo de la sala de turbinas de la Tate Gallery estará cubierto por más de cien millones de pipas hasta mayo del 2011. Es la instalación del artista chino Ai Weiwei, y las pipas, de porcelana, han sido realizadas a mano durante dos años por más de 1600 personas del pueblo de Jingdezhen, tradicionalmente vinculado a la producción de porcelana para la corte del emperador. Antes de eso, hubo un trabajo previo de unos seis años hasta encontrar la mejor manera de adaptar las técnicas tradicionales al lenguaje contemporáneo.

Las pipas hacen referencia a la producción en masa, tan frecuente en China, aunque en realidad se han fabricado siguiendo procesos artesanales y son todas diferentes entre sí, y a una sociedad en la que los individuos resultan insignificantes, pero también tiene que ver con la iconografía política de su país, cuando Mao Tse Tung era representado como el sol y el pueblo como girasoles.

El resultado es tan real que el propio artista ha dicho (en el vídeo): "Creo que la gente tendrá la impresión de que son pipas de verdad, pero son falsas y les llevará un tiempo asimilarlo. Dirán ¿es posible?. Entonces, cogerán un puñado. Algunos querrán llevárselas a la boca para comprobarlo".

Como elemento adicional a la exposición, aprovechando el interés de Ai Weiwei por las posibilidades de las nuevas tecnologías para la comunicación y las dificultades que existen para ello en su país, aunque tiene cuenta en Twitter, la Tate Gallery ha añadido cabinas de vídeo y pantallas táctiles, además de una web con las que los visitantes podrán comunicarse con el artista planteándole preguntas. Ai Weiwei las seleccionará y responderá semanalmente. Además, también se seleccionarán en Twitter las preguntas que vayan acompañadas con la etiqueta #tateaww.

Urban Screens Cáceres 2010

2010-10-11T20:36:00.000+02:00

Este fin de semana se ha celebrado en Cáceres la segunda edición del Urban Screens, un festival internacional de artes audiovisuales urbanas que utiliza las fachadas de los edificios como pantallas sobre las que se proyectan instalaciones de vídeo. Según indican en la web, uno de los objetivos es convertir la ciudad en un centro multimedia en el que participan escenógrafos, videoartistas, VJ's, pintores o programadores.

Mini Museo de Arte del Siglo XXI

2010-10-07T21:07:00.001+02:00

El próximo 15 de octubre se inaugura el Mini Museo de Arte del siglo XXI, una iniciativa curiosa de Domenico Quaranta, que como se indica en el blog Arte, Cultura e Innovación de Laboral, trata de cuestionar el modo de conservar, coleccionar y mostrar las obras de arte.

El espacio físico del museo no es un edificio de grandes dimensiones proyectado por un arquitecto de prestigio, sino un marco digital y un pen drive de 4 Gb, acompañados de un manual de instrucciones, un mando a distancia, un enchufe y un adaptador universal, y no existirá un equipo de personas encargadas de gestionar la colección ni de programar las exposiciones. Ni siquiera Domenico Quaranta, como director del museo, tendrá control sobre estos temas. Serán los artistas quienes decidan, siguiendo unas normas que pueden leerse en la web.

El Mini Museo será itinerante. El día 15 de octubre, su director se lo entregará al primer artista participante, que podrá mostrar y almacenar en él sólo una obra, que puede estar formada por varios archivos, durante el tiempo y en las condiciones que él decida, incluso modificando su apariencia con pegatinas o con otros elemenos que no provoquen daños para su funcionamiento. La exposición deberá ser documentada mediante fotos, textos o vídeos que se irán mostrando en la web del proyecto. Cuando termine, se cederá el museo a otro artista conocido suyo, o de la lista de espera que estará en posesión de Quaranta, que repetirá el proceso hasta que se agote el espacio de almacenamiento. Entonces, el marco digital volverá a su director original, que se encargará de gestionar la colección, porque participar en el proyecto implica donar tu obra al Mini Museo, o que Domenico Quaranta se haga su propio museo por el precio del marco, como si el arte digital, por el hecho de ser digital ya no costara dinero.

Mientras tanto, los artistas participantes serán propietarios, directores, gestores, conservadores y vigilantes del museo. Lo más curioso es que, aunque se indica que no se puede remezclar, eliminar, cambiar el nombre o vender las obras almacenadas por otros artistas para realizar obras propias, se advierte de que el hecho de participar puede implicar eso: "Mientras seas el dueño temporal del museo, puedes hacer lo que quieras".

La fe del graffiti

2010-09-26T13:08:00.001+02:00

Acabo de terminar de leer La fe del graffiti, un libro de fotografías de John Naar y textos de Norman Mailer, publicado por primera vez en Estados Unidos en 1974 y en España en 2009.

El libro analiza los orígenes y el significado social, político y artístico del fenómeno del graffiti de principios de los años setenta en Nueva York, a través de conversaciones con algunos escritores de graffiti como CAY 161, JUNIOR 161 o LI'L FLAME y con el entonces alcalde de Nueva York, John Lindsay. Norman Mailer, al igual que los graffiteros, ha adoptado un nombre para realizar su investigación, A-I (aesthetics investigator o investigador estético) y nos acerca a las miles de firmas que cubrieron todas las superficies públicas de la ciudad, a los diferentes tipos de caligrafía empleados según los guetos, a las fases ilegales del proceso, la búsqueda de lugares inaccesibles... Lo relaciona con el valor de la firma en el arte contemporáneo, con el arte rupestre de la prehistoria, con Miró, con Giotto o con Rauschenberg, para terminar reflexionando sobre cómo estos jóvenes, procedentes de barrios conflictivos, consiguieron crear un lenguaje plástico nuevo precisamente porque no contaban con una educación visual o artística.

Arte en la intimidad. Obras de Vostell en Cáceres

2010-09-12T13:20:00.001+02:00

Hoy termina "Arte en la intimidad. Obras de Vostell en Cáceres", una exposición organizada por el Consorcio Cáceres 2016 en el Museo de Cáceres, que muestra ochenta obras desconocidas de Wolf Vostell, procedentes de colecciones privadas cacereñas y del Archivo Happening Vostell. Se trata de mostrar una faceta desconocida del artista alemán a través dibujos, pinturas, obra gráfica, dé-coll/ages, maquetas de sus proyectos, cuadros objeto, bocetos de sus happenings... que hasta ahora nunca habían sido expuestos.

Happening. El entierro de la sardina

Boceto. Happening El entierro de la Sardina.

Jesus Variation Zurbarán

Creo que ha sido una iniciativa bastante interesante, pero pienso que tratándose de quien se trata debería haberse hecho algo más grande y no me refiero al espacio o al número de obras.
Una exposición de Vostell será siempre una buena exposición, pero podría haberse buscado una intencionalidad más didáctica, acercar no sólo las obras sino el conocimiento sobre las obras, la historia que se esconde detrás cada una de ellas, la relación de sus dueños con Vostell... y haberse planteado como una exposición itinerante por Extremadura y por fuera de Extremadura.
Podría haberse mostrado un mayor interés en dar a conocer los vínculos que unieron a Vostell con Cáceres y con la gente de Cáceres, especialmente con aquellas personas que de alguna manera contribuyeron a la creación de su museo en Malpartida, a través de fotografías, de anécdotas, de testimonios... para saber cómo era Vostell con los que fueron sus amigos cacereños y cómo recuerdan esos amigos a Vostell, más allá de los objetos materiales que puedan tener decorando sus casas.

la fábrika de toda la vida

2010-09-01T14:02:00.001+02:00

Dentro de menos de un mes, el próximo 20 de septiembre, se abre un nuevo espacio de creación contemporánea en Extremadura con unas Jornadas sobre Arquitectura y Arte Público. El espacio, situado en algunas estancias de la antigua fábrica de cemento de Los Santos de Maimona, se llamará La fábrika de toda la vida y será gestionado por el Colectivo Conceptuarte, formado por artistas, diseñadores y publicistas extremeños y andaluces, interesados por el reciclaje.

La fábrika se enmarca dentro de su proyecto Reciclarte, con el que pretenden dar nuevos usos a edificios abandonados. Su intención es crear un "espacio vivo y cambiante", abierto y dinámico, y que además combine "el arte contemporáneo, el arte joven emergente, necesidades y deseos de los residentes del pueblo".

La rehabilitación le corresponderá al arquitecto Santiago Cirugeda.

Actualización del 11 de octubre de 2010

Manuel Vilches / Antonio Godoy / Valentín Jaramillo

2010-08-01T11:27:00.001+02:00

Hace unos días leí, en una noticia un poco mal redactada, por cierto, que Manuel Vilches expone su último proyecto, Paisaje Forzado, en la Galería Del Sol St. de Santander hasta el día 14 de agosto. Manuel Vilches es un artista extremeño bastante reconocido. Fue el ganador de la I Bienal de Artes Plásticas de la Asamblea de Extremadura y hace unos años presentó en el MEIAC su proyecto La piel habitada. En el catálogo de esa exposición, habla, en una conversación con Francisco Carpio, sobre diferentes aspectos de su trayectoria hasta ese momento.

Manuel Vilches trabaja a partir de fotografías de paisajes, sobre las que interviene posteriormente, tratándolas digitalmente o pintando con óleo o acrílico sobre ellas. Nunca lo hace sobre el propio escenario, porque muchas veces ya han sido sometidos a la intervención humana: son pantanos, entornos urbanos en situación de abandono, o simplemente espacios naturales en los que se percibe de alguna manera esa intervención. Le interesa analizar la relación entre el paisaje y el hombre, la manera en la que los seres humanos intervenimos sobre el paisaje y luego desaparecemos sin dejar rastro buscando nuevos paisajes sobre los que dejar nuestra huella y esta ausencia hace que su trabajo se relacione muchas veces con la metafísica o el surrealismo.

Manuel Vilches. Proyecto Intervenciones

En una línea parecida está trabajando actualmente Antonio Godoy, que hace unos meses presentó en la Asamblea de Extremadura su proyecto "Naturaleza versus artificio" junto a una serie de esculturas de su hermano. La relación hombre - paisaje es el tema central de estos últimos trabajos, y como ocurre con las obras de Manuel Vilches, la presencia humana se percibe sólo por el rastro de su intervención sobre el escenario o porque presuponemos que existe un espectador de la escena. Pero además de existir coincidencias en el punto de partida, también existe un modo de trabajar parecido entre Manuel Vilches y Antonio Godoy. Si Manuel Vilches explora el paisaje para fotografiarlo e intervenir posteriormente sobre estas fotografías, Antonio Godoy busca en mercadillos paisajes pintados por otros y luego los transforma añadiendo o eliminando elementos, aunque con el tiempo ha pasado también a intervenir sobre la propia naturaleza, recreando algunas veces los motivos pintados.

Antonio Godoy. El injerto

Además, al leer el catálogo de La piel habitada algunas de las fotografías me han recordado a trabajos de Valentín Jaramillo, sobre todo por el resultado final, porque no creo que existan muchas conexiones entre las intenciones de los dos artistas. Como ya he dicho, Manuel Vilches nunca interviene sobre los escenarios reales, aunque muchas veces parece lo contrario. Valentín Jaramillo, que nunca trata sus fotografías digitalmente aunque lo parezca, realiza intervenciones pictóricas sobre espacios, algunas veces deshabitados, y luego lo fotografía para que sirva como documento.

Manuel Vilches. La piel habitada

Valentín Jaramillo

Chema Madoz

2010-07-28T17:31:00.000+02:00

Hoy termina la exposición de Chema Madoz en Cáceres. Es una exposición de setenta fotografías realizadas entre 2000 y 2005, producida por La Fábrica, que ha recorrido diferentes ciudades de España desde que se inauguró en Madrid en el año 2006. Después de Cáceres podrá verse en otros países.

Murakami según Paz López Sanjuán

2010-07-24T18:44:00.000+02:00

Haruki Murakami es uno de los escritores que más me gustan. Hace poco terminé de leer El fin del mundo y el despiadado país de las maravillas. Parece que Paz López está ahora en ello (no sé si con ese libro o con otro) y ha dejado esta ilustración en su blog.

Realidad aumentada

2010-07-23T11:38:00.001+02:00

La realidad aumentada es una tecnología parecida a la realidad virtual pero diferente: la realidad virtual crea nuevos entornos, mientras que la realidad aumentada introduce elementos virtuales en el entorno real, a través de una aplicación informática, una web cam, y unas marcas especiales. Puede ser muy útil por ejemplo en educación (ya se aplica en algunos colegios de la Comunidad Valenciana) o en yacimientos arqueológicos. Con unas gafas especiales o un dispositivo móvil orientado hacia las marcas podríamos ver reconstrucciones virtuales de algunos edificios del yacimiento superpuestas en las ruinas.

Hace unos meses, el Museo Paul Getty de Los Ángeles creaba una aplicación que permitía ver con detalle la llamada Vitrina Augsburgo tanto a los visitantes del museo como a los usuarios de su web.

En España, el Diario Público y el Museo del Jurásico de Asturias ofrecen en una web la posibilidad de que podamos ver de cerca e interactuar con cuatro tipos diferentes de dinosaurios. De momento, sólo está disponible la primera marca, y para descargarla es necesario responder correctamente a las preguntas de un formulario sobre el Museo, los dinosaurios y los yacimientos asturianos relacionados con el Jurásico. Quizás a esta iniciativa le faltaría añadir un poco de información sobre cada uno de los cuatro dinosaurios: a qué tipo pertenece cada uno, cuánto medían, cuánto pesaban, qué comían…

Jóvenes artistas extremeños 2010

2010-07-21T21:44:00.000+02:00

Dentro de unos meses empezará en Talavera de la Reina la exposición Jóvenes artistas extremeños 2010, que después pasará por Badajoz, Cáceres, Plasencia y Zafra. Se trata de un proyecto que se inició en 2007. Cada año, se reúnen obras de varios artistas becados en diferentes convocatorias de las Ayudas Francisco de Zurbarán. Este año los seleccionados son Áurea Muñoz del Amo, Domingo Pérez, Javier Roz, José Manuel González, Luis Feo y Virginia Rivas.

Áurea Muñoz del Amo

Domingo Pérez

Javier Roz

José Manuel González

Luis Feo

Virginia Rivas

Anish Kapoor

2010-07-10T20:25:00.001+02:00

Anish Kapoor es un escultor indio que vive en Londres desde los años 70, y uno de los artistas más reconocidos en la actualidad. Trabaja con diferentes materiales como el acero pulido, la cera o los pigmentos de color. Ahora está presente en "Márgenes del Silencio", la exposición del Centro Helga de Alvear, y el Museo Guggenheim de Bilbao le dedica hasta octubre la primera retrospectiva que se le hace en España. Para promocionar esta exposición han creado una web específica, y un vídeo en el que unos niños explican el trabajo del artista.

Elmgreen & Dragset

2010-06-21T20:16:00.001+02:00

Michael Elmgreen e Ingar Dragset son dos artistas nórdicos (noruego y danés) que trabajan como colectivo desde 1995. Sus performances e instalaciones, en las que emplean a veces conceptos propios de la arquitectura, han pasado por la Tate Modern de Londres, la Bienal de Venecia, o galerías de casi todo el mundo. En España, han expuesto sus trabajos, entre otros, en el MUSAC o el Centro Galego de Arte Contemporáneo.

En la exposición "Márgenes del Silencio", del Centro de Artes Visuales Helga de Alvear, puede verse su instalación No sneakers, de la serie Porwerless Structures, formada por una puerta de aluminio y varias zapatillas de deporte amontonadas en una esquina.

Elmgreen & Dragset trabajan a partir de objetos cotidianos, tratan de cambiar la percepción y las posibilidades del espacio y la arquitectura, para reelaborar estructuras sociales generalmente aceptadas que consideran que deberían cambiar porque no son inalterables. En este caso, la puerta de aluminio crea la ilusión de que existe un espacio detrás, un lugar en el que no se puede entrar con zapatillas. Por eso, algunas personas han decicido dejarlas en la puerta, y se supone que a la salida las recogerán.

Conect@ y la accesibilidad del museo municipal de Cáceres

2010-05-25T14:02:00.018+02:00

El Museo Reina Sofía ha puesto en marcha el proyecto Conect@, un grupo de investigación y trabajo constituido por 10 personas (adultas) con discapacidad intelectual, 3 educadores del Museo especializados en accesibilidad, varios profesionales del Centro Ocupacional Carlos Castilla del Pino (APANID), y una investigadora sobre evaluación de la Universidad Autónoma de Madrid. Se trata de un proyecto que busca por una parte la integración social de las personas participantes, y por otra, mejorar la accesibilidad y la atención a las personas con discapacidad.

En la web del MNCARS se define Conect@ así: "Este proyecto pretende explorar nuevas estrategias para el desarrollo personal y la inclusión social de un grupo de adultos con discapacidad intelectual. Uno de los ejes del programa es la reflexión crítica acerca del espacio–museo y de sus condiciones de accesibilidad, tanto a nivel arquitectónico como sensorial y comunicativo. Paralelamente, se busca potenciar el uso documental y expresivo de los nuevos medios audiovisuales y digitales, investigando las múltiples posibilidades de estas nuevas herramientas como medios para la comunicación y la acción social."

La verdad es que me parece muy interesante, y enseguida pensé qué pasaría si un proyecto de este tipo se pusiera en marcha en Extremadura.

Hace poco se reabrió al público el Museo Municipal de Cáceres, después de que el edificio fuera sometido a una rehabilitación. Entre las grandes novedades, se anunciaba que se había convertido en un museo accesible porque se había instalado un ascensor. Al leer esto, pensé que habrían sustituido las escaleras de la entrada principal, o al menos una parte, por una rampa, y de hecho ha sido así, pero al llegar a la puerta de entrada nos encontramos con un escalón.

rampa en la entrada

entrada

Entonces, ¿qué sentido tienen la rampa y el ascensor? ¿De verdad es accesible? El interior está bastante adaptado, aunque hay un par de salas que tienen escalones, pero el acceso al museo no me acaba de convencer. (Eso sí, este museo y la Sala El Brocense son, de momento, los dos únicos espacios culturales de Cáceres que tienen en cuenta la accesibilidad)

escalones en una de las salas de etnografía

Las personas en silla de ruedas tienen que entrar por la puerta de atrás, que es la salida para el resto de personas. Si tenemos suerte y esta puerta está abierta podremos entrar tranquilamente aunque con ayuda, porque esta parte no es del todo accesible. Si no, antes tendremos que avisar en recepción para que nos abran la puerta (no hay ni un número de teléfono, ni un timbre) o en un caso extremo las personas que trabajan allí podrían ayudarnos a entrar por la puerta principal.

puerta de atrás - entrada "adaptada"

Creo que esto puede provocar muchos problemas. Primero, creo que supone una discriminación ¿por qué no hay una única puerta para todos? ¿Hay visitantes de primera y de segunda? Evidentemente, el recorrido que se hace entrando por esta puerta no es el mismo que se hace por la puerta principal. Además, ¿alguien ha pensado cuál es el camino que tiene que hacer una persona en silla de ruedas desde la recepción del museo hasta la parte trasera? El camino más corto tiene escaleras. ¿El museo o los planos turísticos indicarán la ruta accesible más corta para llegar? ¿Se pondrá una señalización específica en esa ruta? ¿De verdad que no hubiera sido mucho más fácil colocar una rampa en la entrada principal?

Las personas en silla de ruedas no son un público habitual en los museos, por lo menos en Cáceres, porque no están acostumbrados a que este tipo de espacios sean accesibles, así que creo que no basta con poner un ascensor o unas rampas. La accesibilidad tiene que probarse y evaluarse. Es necesario que sepan que es un lugar en el que pueden entrar, aunque tenga que ser por la puerta de atrás. Una buena manera podría ser hacer una jornada de puertas abiertas, unas visitas dinamizadas para ellos o simplemente invitarles a visitar el museo y que después puedan rellenar un formulario o manifestar su opinión a través de alguna web o blog.

Plan T

2010-05-10T16:03:00.001+02:00

Silja Puranen

2010-05-03T21:00:00.005+02:00

Este año, una de las propuestas más interesantes de Foro Sur ha sido la que ha presentado La Galería, de Barcelona, con varios artistas finlandeses, sobre todo porque es un tipo de arte que no estamos muy acostumbrados a ver por aquí.

Creo que una de los artistas que más ha llamado la atención ha sido Silja Puranen, finlandesa nacida en 1961 y que, por lo que he visto en su curriculum, no ha mostrado muchas veces su obra en España.

Como base utiliza textiles utilizados en el ámbito doméstico como alfombras, colchas o mantas que compra en mercadillos. Sobre ellos transfiere fotografías tratadas digitalmente de personas que aluden a las vidas de aquellas personas que pudieron utilizar esos textiles en su origen. Posteriomente, puede pintar o bordar sobre la fotografía transferida. Es una forma de combinar la creación tradicional con la digital.

Camino Blanco / Ofelia

2010-04-25T20:18:00.004+02:00

El viernes se inauguró en el Museo de Cáceres una exposición muy interesante de la pintora Paloma Souto y el fotógrafo Andrés Zuazo, que tratan de recrear el bosque gallego en dos espacios diferentes del museo.

La serie Camino Blanco, expuesta en la sala de exposiciones temporales, está formada por doce pinturas de Paloma Souto, acompañadas de fotografías de Andrés Zuazo, que representan las doce clases de árboles que los peregrinos que se dirigen a Santiago de Compostela se encuentran al entrar en Galicia desde el camino francés.

En el aljibe, Paloma Souto ha realizado una intervención en la que reinterpreta la muerte de Ofelia, tomando como punto de partida la pintura del prerrafaelita John Everett Millais, que aparece reflejada sobre el agua. El aljibe se ha convertido en un bosque de abedules gracias a los sonidos de los pájaros, a unas proyecciones en la pared y a los árboles reales que se han colocado allí para la ocasión.

fotomontaje sin árboles

El resultado es bastante espectacular, aunque quizás debería haberse cuidado más la figura de Ofelia, haberle dado más volumen y realismo. Pienso que la proyección no es la solución más acertada.

Por otra parte, me ha parecido "curioso" el planteamiento global y el "itinerario recomendado" que han dado a la exposición Miguel Cereceda y Michel Hubert, y que ha quedado reflejado en el texto del catálogo. La propuesta es que el espectador tiene que ver en primer lugar las pinturas de "Camino blanco", situadas en la sala de exposiciones temporales, porque este espacio representa el día, la superficie, y en segundo lugar el aljibe, que por ser un espacio "subterráneo" representa la noche, la oscuridad y el mundo de los sueños. Este fue el recorrido que se hizo el día de la inauguración, y de hecho Miguel Cereceda repitió varias veces que la intervención del aljibe se encontraba a una altura inferior a la que nos encontrábamos, pero tal como está configurada la visita al museo es un recorrido imposible. Además, imagino que cuando se habla del aljibe como un espacio "subterráneo" se hace de manera simbólica, aunque quien lea el texto del catálogo sin haber visitado el museo posiblemente se lleve una imagen distorsionada del espacio. Pienso que la visión que se dio sobre esto hace algunos años en la exposición de Ángela Lergo titulada "Debajo del agua" por situarse la sala a una altura inferior a la del aljibe era mucho más acertada.

¿Por qué (no) vas a exposiciones?

2010-04-17T20:39:00.000+02:00

Hace unos días, para empezar mi proyecto final de posgrado, abrí una encuesta para conocer el comportamiento y las preferencias de los extremeños ante las exposiciones. Pienso que en Extremadura, y en general en casi todas partes, no suelen programarse las exposiciones, ni las actividades culturales, pensando en las personas del entorno más cercano.

El éxito de las exposiciones se mide por el número de visitantes y en ciudades como Cáceres, por ejemplo, este número suele ser bastante alto, sobre todo en primavera y verano, por el turismo y está bien que los turistas participen de la vida cultural de las ciudades que visitan pero, ¿dedican los extremeños parte de su tiempo libre a ir a museos y exposiciones?

Es curioso que cuando viajamos a otras ciudades o a otros países todos queremos visitar allí museos y exposiciones, pero no todos hacemos lo mismo en nuestras ciudades y no creo que se trate de desinterés. De vez en cuando surgen iniciativas que son todo un éxito en este sentido, como la exposición del centenario de Caja Extremadura, la de Eugene Smith, el Urban Screens o La casa recreada pero muchas veces otras veces no se sabe comunicar, o no se ofrece nada más que objetos en espacios en los que sólo se puede mirar.

Para quien le interese, la encuesta estará abierta hasta el 30 de abril:

http://encuesta-exposiciones.blogspot.com

Dobladillos de canela y tinta china

2010-04-06T14:05:00.001+02:00

Esta mañana he recibido en mi correo electrónico un nuevo "dobladillo de canela y tinta china". Esto de los dobladillos es un proyecto que hace algunos meses puso en marcha Laura Covarsí, inspirándose en unos dulces típicos de Huesca, aunque en realidad sus dobladillos son pequeños libros de ocho páginas con dibujos, fotografías o textos que pueden descargarse, imprimirse y doblarse siguiendo las instrucciones.

Este mes el dobladillo se llama "El oso y la flecha" y es de Borja González, un artista de Badajoz que publica sus trabajos en revistas como El Casco. La verdad es que es uno de los dobladillos más curiosos de los que he recibido hasta ahora porque además de imprimirlo hay que colorearlo.

Revisando el archivo me he encontrado también el dobladillo número 4, titulado "Autorretrato", un relato de Gonzalo Hidalgo Bayal con ilustraciones de Esperanza Covarsí, hermana de Laura, que tiene una web bastante interesante.

Ya han hecho dobladillos más artistas, como Luis Costillo, Iván Hernández (de Plasencia, que hace los vídeos de las intervenciones de MCG Mahedero), Sol Puga, Pablo López García del Moral o Luisa Monleón.

Jóvenes artistas extremeños 2009

2010-03-20T20:41:00.001+01:00

Desde hace unos días, se puede ver en el Archivo Histórico de Cáceres la exposición colectiva "Jóvenes artistas extremeños 2009", que, a pesar de su nombre, reúne trabajos de siete artistas becados en diferentes ediciones de las Ayudas Francisco de Zurbarán. Este año, los seleccionados han sido Abigail Narváez, Domingo Martínez, Estela Fraile, Fernanda Ruano, Manuel Acedo, Rafael Gómez y Rorro Berjano. Todos ellos, además de haber sido becados con las ayudas Francisco de Zurbarán, tienen en común una trayectoria avalada por becas, premios, y exposiciones individuales y colectivas, aunque sus trabajos son bastante diferentes entre sí: pintura, grabado, fotografía, vídeo, collage o dibujos tratados con tableta digital.

Puede que lo que más llame la atención de la exposición sea el trabajo de Estela Fraile, por el soporte (grabados transfer sobre puertas, ventanas o hamacas) o el de Rorro Berjano, por la mezcla de iconos religiosos con otros propios de la sociedad de masas. Pienso que el trabajo de Domingo Martínez podría haberse acompañado de algún pequeño texto que explicara su trasfondo conceptual o la procedencia de las fotografías que utiliza.

A mí personalmente me han gustado bastante los dibujos tratados con tableta digital de Rafael Gómez.

Polimorfo(s) perverso(s)

2010-02-26T18:49:00.000+01:00

Esta tarde se inaugura en la Galeria Fernando Pradilla de Madrid la exposición Polimorfo(s) perverso(s), en la que participa Rorro Berjano junto a otros treinta artistas internacionales, principalmente latinoamericanos, como Liliana Porter, que tiene obras en el MoMa en Nueva York o en la Tate Gallery de Londres, Mariana Monteagudo o Jorge Pineda.

La exposición trata sobre los límites que existen entre lo infantil y lo adulto, y busca encontrar respuestas a algunas preguntas planteadas por Andrés Isaac Santana, como "¿Es adultez consecuencia avanzada de la niñez o, por el contrario, es ésta deudora permanente de la primera, subsidiaria de ella?" o "¿Es la ideología de lo adulto un sistema opresivo generador de un imaginario polimorfo y perverso?"

Rorro Berjano es uno de los artistas extremeños con más proyección nacional, y ésta es la segunda vez que participa en una exposición de la Galería Fernando Pradilla, una prestigiosa galería que ha estado presente en varias ediciones de ARCO y que trabaja con artistas como Juan Francisco Casas.

Hace tiempo, Rorro dio por finalizada su serie de trabajos sobre la sociedad y la realidad cubana y en su proyecto actual, titulado "New gods, new retables" ("Nuevos dioses, nuevos retablos"), se funden elementos procedentes de la iconografía religiosa (de todas las religiones) con imágenes propias de la cultura de masas y del consumo, como dibujos animados o logotipos de multinacionales.

NetEscopio

2010-02-25T20:52:00.000+01:00

Hace tiempo que el MEIAC puso en marcha NetEscopio, un proyecto coordinado por el artista argentino Gustavo Romano, y que forma parte del Museo Inmaterial. Se define como un "archivo en línea en continuo desarrollo destinado a preservar obras artísticas generadas para la red ". Su objetivo es "el resguardo, la difusión y la catalogación de dichas obras utilizando para ello el mismo medio de Internet, posibilitando de esa forma su crecimiento y actualización constantes."

La primera fase de NetEscopio coincidió con la exposición Desmontajes, que se centraba en las primeras obras desarrolladas en la red. En la actualidad, la exposición (Re)apropiaciones, que puede verse en el MEIAC hasta el mes de marzo supone la segunda parte del proyecto, y se basa "en en una práctica recurrente en las producciones artísticas en la red como es la apropiación y reutilización de materiales simbólicos. A diferencia de otros medios tecnológicos, el digital posibilita, más que la reproducción, la manipulación. Más que la invariancia, la perpetua mutación. Más que la copia, el remix."

El MEIAC es uno de los museos más interesados en el arte digital y electrónico, y sus iniciativas en este sentido muchas veces tienen repercusión internacional. La importancia del NetEscopio está en que el MEIAC presta parte de su espacio virtual a obras de arte que sólo existen en internet y que en algunos casos ya han desaparecido de su ubicación original, y en otros puede que tarde o temprano terminen desapareciendo Es una forma de conservación preventiva pero también de documentación, que sirve para conocer y comprender el arte que surge en internet y que va desde el net.art o websites, hasta acciones, videojuegos, virus, software o performances en Second Life.

Visitas teatralizadas en el Museo de Cáceres

2010-02-25T20:34:00.001+01:00

Con motivo del día internacional de la mujer trabajadora, el Museo de Cáceres ha programado entre sus actividades unas visitas guiadas teatralizadas por sus colecciones para explicar los cambios que ha sufrido el papel de la mujer en la sociedad a lo largo de la historia. Estas visitas se celebrarán en varias sesiones y concluirán con unos talleres en los que cada participante se creará un objeto de adorno personal relacionado con las piezas expuestas en el museo.
Las visitas teatralizadas tienen como objetivo acercar a los visitantes a un momento y un contexto histórico concreto, a través de como si hicieran un viaje en el tiempo.Se trata de una forma de interactividad humana muy consolidada en los ámbitos de los museos y el patrimonio, aunque la participación del público dependerá de la capacidad de comunicación de los actores. Los participantes podrán ver las colecciones del museo mientras disfrutan de una obra de teatro.
Este tipo de actividades llaman la atención por sí mismas, y tienen la capacidad de atraer a muchos visitantes, por lo que no hay que olvidar el rigor histórico y su finalidad educativa, como ocurre algunas veces.

Peggy Guggenheim

2009-12-17T21:19:00.001+01:00

Después de la saturación de ruinas romanas, de iglesias, de cúpulas y de pinturas del renacimiento y el barroco, estuvo bien la visita a la colección de Peggy Guggenheim en Venecia. Peggy Guggenheim fue una de las principales impulsoras del cubismo y el surrealimo en Estados Unidos, y también del expresionismo abstracto estadounidense, y, en especial, de Jackson Pollock. Tras cerrar su Galería de arte de este siglo de Nueva York, se trasladó a Venecia en 1947, al Palazzo Vernier dei Leoni, donde actualmente puede verse su colección. Una de las cosas que más me llamó la atención fue que, aunque sea un espacio gestionado por la Fundación Guggenheim, una "marca - multinacional" del arte contemporáneo, con grandes museos construidos por los arquitectos más punteros, es un museo pequeño y acogedor, algo que también lo hace diferente de la mayoría de los centros de arte contemporáneo, aunque quizás con una entrada excesivamente cara. Peggy Guggenheim cedió la colección a la Fundación con la condición de que las obras nunca fueran separadas y que permanecieran en Venecia, en el lugar en el que ella vivió durante treinta años y donde está enterrada.

Además de la colección permanente, pude ver una exposición muy interesante sobre el futurismo, con motivo del centenario del Manifiesto de Marinetti. Para quien le interese dejo un enlace a la visita virtual.

Naturaleza versus artificio

2009-11-17T12:02:00.000+01:00

A principios de este mes se inauguró en la Asamblea de Extremadura una exposición de los hermanos Godoy. Ya conocía las esculturas nuevas de Pedro por las fotos que tiene colgadas en flickr, pero lo último de Antonio, que es un poco menos tecnológico, lo vi directamente allí.

Ahora está trabajando en lo que ha llamado "Naturaleza versus artificio", que es una continuación de su proyecto anterior, "Cirugía plástica". En los dos casos, interviene sobre cuadros de escaso valor artístico que rescata de mercadillos y tiendas de segunda mano, que en la mayor parte de los casos tienen una temática vinculada al paisaje. A partir de aquí yo empecé a pensar en el land art, y en la manera en la que estos artistas reflexionaban sobre la relación que el ser humano establece con la naturaleza y el paisaje.

El injerto

El land art surgió como crítica hacia un arte consumista fomentado por muchas galerías y se basaba en conceptos como la conquista o el descubrimiento del espacio, escogiendo lugares muchas veces bastante alejados de la "civilización". Las intervenciones de estos artistas podían cambiaban la percepción que el espectador tenía de los paisajes y en ocasiones llegaban a funcionar como puntos de referencia visual. Estas intervenciones además pretendían dialogar con el entorno en el que se situaban, a través de materiales propios del lugar o mediante la introducción de otros ajenos a él.

Pixeland

Creo que las intervenciones que hace Antonio Godoy sobre estos cuadros encontrados son intervenciones en el paisaje, aunque no sea un paisaje real sino representado. En el texto del catálogo habla de una nueva forma de relación hombre - naturaleza, más respetuosa y, de hecho, la mayoria de las intervenciones hacen referencia a una presencia o una actividad humana, o a sus consecuencias (como en Pixeland). Además, esto le ha llevado a intervenir sobre la propia naturaleza o a rescatar elementos y objetos tradicionalmente utilizados por el hombre en su interrelación con la naturaleza y que son también una forma de intervenir sobre ella.

Hábitat artificial

De alguna manera pienso que con este trabajo establece una relación entre el arte y la naturaleza como dos elementos que están sometidos a un mercado y una especulación. Cuando Antonio Godoy rescata esos cuadros sin valor artístico de los mercadillos y tiendas de segunda mano podríamos pensar en el arte como objeto de mercado, sobre el que existen demasiados intereses económicos. Cada vez es más difícil "descubrir" grandes obras de arte, igual que cada vez más es más difícil descubrir paisajes en el sentido romático, en un contexto marcado por la especulación urbanística o la contaminación.

Las Lindes

2009-11-05T21:33:00.000+01:00

Desde el mes de octubre en el Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles está en funcionamiento Las Lindes, un grupo de investigación y acción sobre educación, arte y prácticas culturales, una iniciativa de Marta de Gonzalo y Publio Pérez, Cristina Villaplana, Pablo Martínez y Cristina Vega. Es un grupo de trabajo abierto a docentes, artistas, educadores de museos y personas interesadas en la educación, que se reunirá una vez al mes para reflexionar sobre la educación a partir de textos y experiencias y prácticas desarrolladas en centros educativos. Uno de los objetivos es crear un archivo de materiales didácticos, proyectos, y recursos que pueda estar a disposición de cualquier persona interesada.

En principio, el proyecto está restringido al ámbito de la comunidad de Madrid, pero lo más interesante es que las diferentes sesiones podrán seguirse a través de internet, gracias a un canal de vídeo.

Turbulent - Shirin Neshat

2009-11-01T19:22:00.000+01:00

Transversalia

2009-10-02T20:46:00.007+02:00

Ayer por casualidad me encontré con la web de transversalia.net, que ofrece unidades didácticas para Educación Secundaria, basadas en el arte contemporáneo, a partir de trabajos de artistas como Ana Mendieta, Bansky, Damien Hirst, Alfredo Jaar o Marina Abramovic entre otros. Transversalia es un proyecto de la artista murciana Clara Boj, y se presenta como "un espacio desarrollado en Internet para la comunidad educativa de la Educación Secundaria Obligatoria (jóvenes de 12 a 18 años, sus familias y profesores), basado en una concepción amplia de la educación y en la consideración del arte contemporáneo como herramienta a través de la cual complementar la enseñanza de las materias transversales." Dentro de la sección de Educación Ambiental, una de las unidades didácticas incluye el proyecto Pintando naturaleza, de MCG Mahedero.

SAN en El País

2009-08-19T17:37:00.021+02:00

Ayer El País traía un reportaje sobre graffiti, "El spray se agita en Madrid", para el que contaron con ocho de los graffiteros más importantes del momento. Entre ellos, aparte de Suso33, está San, al que citan como "un cacereño que dejó alucinado a un galerista de San Francisco cuando vendió sus 30 obras el mismo día de la inauguración".

Para quien le interese:

www.elpais.com/articulo/madrid/spray/agita/Madrid/elpepiespmad/20090818elpmad_9/Tes

http://www.eseaene.com/

Obra de San en Moraleja

Lecciones de cine con Emilio y Claudio

2009-08-09T16:35:00.002+02:00

Extremadura, cultura y nuevas tecnologías

2009-07-14T13:30:00.010+02:00

El 21 de junio se editó el primer boletín informativo trimestral del MEIAC, una "mini revista" de seis páginas que se puede descargar desde la web del museo. Evidentemente, me parece muy buena idea, porque no se trata sólo de un medio de difusión de las actividades del museo, sino que cuenta con colaboraciones, artículos especializados y una entrevista a Gustavo Romano. Este primer número está dedicado al net.art y a definir el concepto de "museo inmaterial" o "museo de lo inmaterial", una propuesta que el MEIAC llevó hace algunos años a ARCO. De hecho, el MEIAC se ha propuesto ampliar su colección de obras de net.art y de alguna manera pretende convertirse en un punto de referencia en este sentido (creo que ya lo es, al participar en proyectos como NetEspaña).

El MEIAC es, junto al Museo Vostell y el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida, el único museo de Extremadura que tiene y utiliza su web, pero creo que todavía no ha sabido aprovechar todos los recursos disponibles para la difusión de sus actividades, ni utiliza correctamente los que ya tiene. Por ejemplo, cuando el año pasado se estrenó la web actual (www.meiac.es/) no se redireccionó ni se suprimió la web anterior (disponible en los dominios www.meiac.org/, http://www.meiac.net/, http://www.meiac.com/ y http://www.meiac.info/) que sigue a día de hoy en la red y de hecho http://www.meiac.org/ es la primera página en Google cuando se busca MEIAC. Además, desde algunos portales de arte se sigue enlazando con la web antigua en la que la última exposición que aparece terminó en enero de 2008. Esto, que puede parecer una tontería, sólo consigue confundir al visitante y dar una mala imagen del museo.

Además, me parece que a estas alturas no tiene sentido lanzar un boletín informativo en papel, cuando algunos de los museos y centros de arte que ya lo tienen están empezando a volcar esa información en internet, a través de sus páginas y sobre todo de las redes sociales como Facebook. Pienso que sería más apropiado editar una revista especializada en esos temas, que se convierta en una publicación de referencia con mayor número de páginas, artículos especializados, entrevistas, y una información más detallada de las actividades del museo, y que se pueda distribuir por bibliotecas, centros de arte y otros museos que trabajen en una línea similar.

A pesar de esto, el MEIAC, por lo menos, tiene web y la utiliza. También tienen web el Museo de Bellas Artes de Badajoz (un pequeño espacio integrado dentro de la web de la diputación), el Museo Pérez Comendador de Hervás, el Museo etnográfico de Don Benito, y el Museo del Queso (es la única web que he encontrado de un "museo" de identidad), pero están desactualizadas, son estáticas y, salvo la del Museo del Queso, tienen unos diseños bastante anticuados. Pero ahora que los espacios culturales públicos y privados (museos, centros de arte, galerías, revistas culturales) están empezando a prestar más atención a actualizar su página en Facebook por ser una herramienta más barata, más directa y mucho más eficaz, desde Extremadura, una región líder en el uso de las nuevas tecnologías y el sotware libre según el propio Bill Gates, no sólo ningún espacio cultural utiliza esas herramientas, sino que es ahora cuando se está empezando a pensar que igual conviene que cada museo tenga su web (la web de la red de museos hace bastante tiempo que dejó de funcionar). El problema es que ese liderazgo, del que hablaba Bill Gates y del que se presume mucho en Extremadura, hace referencia sobre todo, y pienso que casi exclusivamente, al uso de las nuevas tecnologías en el ámbito educativo con el uso de ordenadores en el aula y la creación de contenidos digitales. Los profesores encargados de desarrollar estos proyectos, al menos en teoría, reciben una formación previa para sacar el mayor partido de las nuevas tecnologías en el aula. Me pregunto si no sería posible que los responsables de la cultura (Junta, Diputaciones, Universidad, galeristas) recibieran unos cursos de formación en los que pudieran aprender las posibilidades que las nuevas tecnologías ofrecen a la cultura.

Ángel Duarte

2009-06-27T10:59:00.006+02:00

El día 30 se inaugura en el Museo de Cáceres una exposición de Ángel Duarte, con obras del Museo Pérez Comendador de Hervás y de la Junta de Extremadura.
Curioseando por internet me he encontrado con la web de la revista audiovisual Julio un vídeo de Equipo 57 que tuve la oportunidad de ver hace unos meses durante una conferencia de Javier Cano. El vídeo está fechado en noviembre de 1957 y trata sobre "la interactividad del espacio plástico". Si entrais en la web: http://www.thisisjulio.com/ y pincháis en Equipo57 lo podéis ver.

Criptografías

2009-05-12T18:03:00.003+02:00

El jueves se inaugura Criptografías en el Museo de Cáceres. Este es el texto que he escrito para el catálogo.

Felipe Ortega Regalado (Cáceres, 1972) piensa que la pintura no puede ni debe limitarse a ser exclusivamente un objeto artístico de carácter decorativo, un bien de consumo inmerso en el mercado del que con frecuencia nos olvidamos cuando cuelga de nuestras paredes. Su vocación es fundamentalmente pictórica, pero, para él, la pintura está en la mirada, en el modo de ver y percibir la realidad, en el encuadre. Cualquier fragmento de realidad puede ser visto como una pintura o ser pintura, porque la pintura es gesto, cinematografía. Por eso, al pintar, Felipe Ortega siente la necesidad de “accionarse” y de “ser cinematográfico”. Para él, estas tres disciplinas –la pintura, la performance y el vídeo – que ha trabajado durante años por separado, pueden converger en un mismo punto, donde se encuentren lo conceptual, la metafísica y el barroco: la tradición y la hibridación de las que habla en la presentación de su web.

Sus primeros trabajos en este sentido pertenecen a la serie Encuadres de una escisión. Esos cuadros, que trataban de representar el silencio, empezaron ya a convertirse en escenarios cinematográficos que recuerdan, en cierto modo, a las vistas urbanas de Giorgio de Chirico. En ambos casos, parece que “algo” estuviera a punto de suceder, pero será sólo en la obra de Felipe donde ese “algo” cobrará sentido y lo hará fuera del cuadro, mediante vídeos que en el montaje expositivo se intercalaban con las pinturas para construir, como en Criptografías, una unidad, y que documentaban acciones repetitivas desarrolladas por un único personaje en ambientes interiores. El encuadre, aunque muy cinematográfico, procede de la pintura de Degas, al mismo tiempo que las acciones filmadas aluden a la gestación material de la pintura entendida como un conjunto de acciones silenciosas que tienen lugar en el estudio del pintor: acercarse, alejarse, mirar.

En el proyecto Criptografías, fruto de más de un año y medio de trabajo, la permeabilidad entre las diferentes disciplinas se hace más evidente que en la serie anterior: las pinturas se vuelven más cinematográficas; los vídeos, más pictóricos, son pinturas en movimiento, fotogramas nacidos de pinturas ya creadas o imaginadas en la mente del artista; y las acciones, que funcionan como nexo de unión entre las dos anteriores, se hacen más teatrales, narrativas y complejas tanto por el número de personajes como por la escenografía, a la que se incorpora la pintura, sostenida (que no colgada) sobre la pared por unos extraños personajes denominados marcos vivientes. Felipe justifica su presencia a partir de su idea de que la Pintura implica acción, movimiento, y, por lo tanto, la acción de colgar una pintura en la pared, al igual que cualquier acción que gire en torno a la pintura, aunque sea un acto cotidiano, es una acción artística, una performance. Sin embargo, si tenemos en cuenta el trabajo del austríaco Erwin Wurm y, en concreto, sus efímeras One minute sculptures que sólo existen durante el período de tiempo que un actor puede aguantar en una determinada posición, sosteniendo unos determinados objetos sin que éstos se muevan o se caigan, podremos preguntarnos cuánto tiempo podrán permanecer nuestros marcos vivientes en esa misma posición.

Pero estos marcos vivientes no se conforman solamente con estar en la escena: participan activamente y nos miran directamente a nosotros, los espectadores. Nos están invitando a que centremos toda nuestra atención sobre la pintura, a que reflexionemos sobre ella, sobre su función, su contexto, su definición, su naturaleza y, a pesar de todo, nosotros no podemos evitar que nuestra mirada se dirija hacia las acciones cotidianas que se desarrollan en los ambientes privados en los que todo sucede, ya sean interiores de viviendas o imágenes extraídas del subconsciente, del mundo onírico. Hay “algo” en todo eso que nos resulta inquietante, “algo” parece estar a punto de pasar, y nosotros no deberíamos estar mirando. Estamos invadiendo la intimidad sin permiso igual que hizo Degas en sus escenas, captadas con vista de ojo de cerradura, de mujeres desnudas durante el baño. Le interesa captar instantes efímeros, como en la fotografía, sorprender a sus personajes en actividades cotidianas, aunque no debemos olvidar que ya en el barroco la pintura empezó a interesarse por lo efímero, los interiores domésticos y la vida diaria de quienes allí vivían. Es el caso de Vermeer o la primera época de Velázquez.

En Criptografías, parece que lo que se quiere captar, en realidad, es la vida privada de la pintura: una curiosidad que todos los pintores querrían satisfacer cuando uno de sus cuadros pasa a ser propiedad de un desconocido, y, por lo tanto, a formar parte de su vida privada, de su contexto íntimo. El pintor empezará a preguntarse en qué lugar de la vivienda habrán colocado su cuadro, cómo será la decoración y el ambiente que le rodea, qué acontecimientos sucederán ante su mirada. Es el cuadro dentro del cuadro, la pintura dentro de la pintura, o quizás algo más. El tema principal, la Pintura, aparece en segundo plano, y puede incluso llegar a pasar desapercibida, siguiendo un recurso que empleó Velázquez en sus Hilanderas, y, especialmente, en el Cristo en casa de Marta y María. En este cuadro, que recuerda a la mujer que aparece pelando frutas junto a un marco viviente en el vídeo La madre del pan, la escena principal se sitúa en un lateral, enmarcada, detrás de un bodegón con figuras tomado de modelos flamencos.

La pintura, entendida como un lenguaje vivo y de plena actualidad, se ha convertido, en la obra de Felipe Ortega, en protagonista y explicación de sí misma. Durante los años sesenta del siglo XX, los artistas del entonces emergente movimiento conceptual afirmaron que el arte, entendido como una categoría general, se explicaba a través del arte y que sólo podía existir en su propio contexto, mental y teórico, rechazando, en muchos casos, su materialización. Felipe, por su parte, y aunque su trabajo posee una fuerte carga conceptual, reivindica el carácter objetual de la pintura tratando a la vez de expandir sus límites más allá del propio soporte tradicional, al igual que, con el barroco, el espacio pictórico trató de salir del marco para invadir el espacio del espectador y hacerle cómplice de la escena. Durante aquella época, además, un grupo de intelectuales y pintores vinculados al foco madrileño reivindicarán la nobleza de la pintura y el papel del pintor en la sociedad, a través de la literatura artística, con los Diálogos de la pintura de Vicente Carducho, o de la propia pintura, con Las Meninas. En esta obra la pintura también es protagonista, explicación y reivindicación de sí misma y a la vez sorprende a sus personajes en un momento efímero y cotidiano, mientras Velázquez, que mira directamente al espectador, está pintando, según algunas teorías, el propio cuadro de Las Meninas. Lo que ve el espectador es lo mismo que ve el pintor en el lienzo, o, como en Criptografías, la pintura a través de los ojos del pintor.

Antonio Vega

2009-05-12T11:48:00.003+02:00

Acabo de leer en El País que ha muerto Antonio Vega. Esta es una de las canciones que más me gustan.

Fieras en la ciudad

2009-05-08T12:01:00.001+02:00

Calle Foro Sur

2009-05-05T21:04:00.003+02:00

Pienso que uno de los objetivos de Calle Foro Sur, además de servir como reclamo de la feria, es acercar el arte contemporáneo a la gente, pero no sólo físicamente: habría que hacerlo comprensible y "desmitificarlo" y a la vez debería servir para ver la ciudad y los espacios públicos con otros ojos. Por eso, creo que no todo el arte se puede sacar a la calle y que no todos los espacios públicos públicos sirven para todo tipo de arte.

Este año, una de las participantes en Calle Foro Sur ha sido Maite Cajaraville, que ha hecho una reinterpretación digital de El Jardín de las Delicias de El Bosco en una fachada de la calle Parras. Maite es una de las artistas extremeñas con más proyección nacional e internacional. Me parece muy importante que en Cáceres pueda verse su trabajo, aunque hay que acercarse demasiado para ver que se han borrado todas las figuras y leer la frase ("Borrando la presencia humana de los marcos de referencia imperativos"). Además, creo que tiene un trasfondo conceptual demasiado elaborado para un proyecto como Calle Foro Sur. Me pregunto si nadie se planteó hacer proyecciones de vídeo sobre fachadas, como las que hizo en Aranjuez en 2007.

La fachada en la que se ha colocado la obra de Maite Cajaraville se utilizó el año pasado para colocar una escultura de José Luis Meléndez, y por lo que se ve, parece que se va a convertir en un punto habitual de Calle Foro Sur. Es una pared muy limpia (sin ventanas), muy bien situada, y muy visible para la gente que baje a San Juan desde Cánovas, pero, desde mi punto de vista, no se debe partir de un espacio concreto y luego buscar con qué se "rellena".

Tampoco entiendo muy bien por qué la escultura de Adrián García se ha puesto en el vestíbulo de la estación de tren. Me parece un buen espacio para colocar una escultura, pero no dentro de un proyecto como Calle Foro Sur, porque aunque es un espacio público, es un espacio cerrado, y bastante alejado del resto de las propuestas. En este caso, no ha sido el arte el que se ha acercado a la gente sino al revés. La habrá visto muy poca gente en comparación con la escultura de Evelyn Hellenschmidt que creo que ha sido una de las propuestas que ha tenido más éxito: la gente se hace fotos, se para, se acerca a verla, a tocarla para ver de qué está hecha...

A mí lo que más me ha gustado este año ha sido la intervención que Abigail y Eva han hecho en la Plaza de San Juan, Fieras en la ciudad. Han aportado la parte "divertida" y a la vez han demostrado que muchas veces son los proyectos más "sencillos" y efímeros, los que se hacen pensando en un espacio concreto los que mejor funcionan en Calle Foro Sur. Por lo menos desde mi punto de vista.

Foro Sur 2009

2009-05-04T19:05:00.006+02:00

Ayer terminó Foro Sur, con cuatro galerías menos de lo habitual, un espacio dedicado al vídeo y (creo) más presencia de artistas consolidados que otros años. En cualquier parte de San Jorge se escuchaban comentarios sobre un Bacon que había en el stand de Helga de Alvear. También ha estado muy presente Vostell, y, entre los extremeños, Alonso Gil, Manuel Vilches, Ruth Morán, Emilio Gañán, Julián Gómez, Juan Ramón Fernández Molina, Manuel Acedo , Juan Carlos Martínez y Ángel Duarte a través de las dos obras de Equipo 57 de la Galería Rafael Ortiz.

Este ha sido el último año en San Jorge y parece que todavía habrá que esperar para saber dónde se celebrará el año que viene, aunque ya se están planteando algunas opciones. Creo que con el cambio de ubicación deberían replantearse algunas cosas más como la proyección de la feria con una web o un blog propio y algunas de las actividades paralelas, como Calle Foro Sur.

Zahara

2009-04-21T21:26:00.002+02:00

Hace unos años que escucho a Zahara. Ahora está grabando un disco con Carlos Jean. Dejo unos vídeos para que la veáis antes de que se haga famosa, y así actualizo un poco el blog, que ya era hora.

CV

2009-04-19T10:10:00.010+02:00

Licenciada en Historia del Arte. Universidad de Extremadura. 2006
Postgrado en Estrategias y Recursos en Museografía interactiva. Universidad de Barcelona. 2009 - 2010

_FORMACIÓN:
2009.
- Patrimonio Cultural, Turismo y Cooperación con Iberoamérica. CEXECI

2008.
- Mouseion. La función social de los museos. Museo de Cáceres

2007 / 2008.
- Consultoría Cultural y Metodología de Proyectos Culturales. Instituto Superior de Arte
- Gestión de la comunicación en Organizaciones artísticas y culturales. Instituto Superior de Arte
2007.
- III Encuentro Internacional "Actualidad en museografía". ICOM

2006 / 2007.
- Nuevas tecnologías aplicadas al arte y al patrimonio cultural. Instituto Superior de Arte

2004.
- Hacia el tercer espacio. Presente y futuro de los museos de arte contemporáneo de España y Portugal. Gabinete de Iniciativas Transfronterizas. Junta de Extremadura

_EXPERIENCIA PROFESIONAL:

2009.
- Beca para elaborar el Cuaderno de Educación de la colección Cuadernos Divulgativos "Extremadura en Europa". Abril / Octubre
- Comisaria de la exposición "Criptografías" de Felipe Ortega Regalado. Museo de Cáceres. Mayo / Junio

2008 / 2009.
- Coordinación del proyecto Arte Actual Extremadura http://arteactualextremadura.blogspot.com/

2007.
- Técnico de Arte. Servicio de Archivos, Museos y Artes Plásticas. Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Extremadura

2006 / 2008.
- Colaboradora. Avuelapluma

2006.
- Coordinación de las Jornadas "Arqueología Urbana en Cáceres. Investigación e intervenciones arqueológicas recientes". Museo de Cáceres
- Personal en prácticas. Museo de Cáceres

2005.
- Coordinación de las Jornadas "Los primeros campesinos de la Raya". Museo de Cáceres
- Personal en prácticas. Museo de Cáceres

_TEXTOS*:

Avuelapluma.
- Entrevistas: MCG Mahedero, Rorro Berjano, Gino di Maggio, Virginia Rivas, Ángela Lergo, María Llanos, Paco Nadie, Alwin van der Linde, Joaquim Carvalho, Julián Gómez
- Textos, críticas, reportajes: Estirpe (Felipe Ortega Regalado), Andrés Talavero, Mithos (Toni Barroso), Pianofortissimo, Atónito (Toni Barroso), Susana Delgado, Generación 21

Catálogos.
- "La vida privada de la pintura". Catálogo de la exposición "Criptografías". Felipe Ortega Regalado. 2009. ISBN: 978-84-9852-154-2
- Textos sin título. Catálogo de la exposición "Mismo perro, distinto collar". Antonio Godoy / Pedro Godoy. 2008. ISBN: 978-84-9852-116-0

*
Los textos están disponibles en el blog en las etiquetas: Avuelapluma, entrevistas y textos

Entrevista Ángela Lergo

2009-04-18T11:35:00.000+02:00

Después de haber presentado obra en ferias internacionales, expones por primera vez en el Museo de Cáceres, ¿por qué este sitio?

Yo tengo una relación estrecha con Extremadura porque mi padre es extremeño. He pasado aquí parte de mi infancia y conservo muchos y agradables recuerdos. Cuando el comisario de exposiciones Juan Ramón Barbancho me propuso este espacio, me pareció una buena oportunidad de volver a exponer aquí después de mis últimas intervenciones en el Museo Vostell Malpartida y Foro Sur. Conocía el Museo Provincial y su nueva apuesta por las exposiciones temporales de arte contemporáneo, y el espacio, además me parecía especialmente interesante porque se presta mucho a este tipo de instalaciones. Además, volver a una ciudad tan bonita como Cáceres siempre es atractivo.

Algunas de las instalaciones que pueden verse en la exposición fueron realizadas desde 2003 y han sido expuestas de manera independiente en varias ocasiones, ¿qué te ha llevado a unirlas en un proyecto como 'Debajo del agua'?

Mis piezas escultóricas son para mí como herramientas que me ayudan a sumergirme en los conceptos sobre los que estoy trabajando. De ellas me sirvo para dar forma a mis pensamientos. Desde 2003, mis piezas de cuerpos semisumergidos se han colocado en Frankfurt, Rotterdam, Berlín, Lisboa, Colonia…sobre aceite de motor usado, planchas de aluminio, sal marina, pimentón, metacrilato, bidones industriales, textos de luz… metáforas de distintos matices del liquido que compone el 70% de nuestro cuerpo y nuestro cerebro. Son viajes hacia el subconsciente, hacia el líquido amniótico en el que nos formamos hasta que nacemos, el agua en la que a veces nos hundimos o flotamos de forma inevitable en nuestros sueños…

¿Qué hay 'Debajo del agua'?

La parte que no vemos de nosotros mismos.

¿Cuál crees que debe ser el papel del espectador ante una instalación en general y en concreto ante esta exposición?

En el caso de mi obra, contemplar y dejarse llevar por lo que cada elemento le sugiere. No se trata de descifrar un jeroglífico de símbolos, sino de sentir y hacer la lectura que más significado tenga para él. No me aventuro a decir qué es lo que otros artistas pretenden con sus instalaciones pero la instalación es sólo un soporte más con el que crear arte, no debe producir más recelo en el espectador que cualquier otro soporte al que esté más habituado, como puede ser el pictórico.

¿Cómo ves el arte contemporáneo actual en Cáceres, en cuanto artistas, exposiciones...?

Ya sabes que desde hace muchos años el Museo Vostell Malpartida está enriqueciendo el panorama artístico de Extremadura con una colección y selección de eventos de primerísima calidad mostrando el arte más avanzado del panorama internacional. Es una labor fantástica la que viene haciendo este museo, en el que tuve el privilegio de realizar una performance comisariada por Michel Hubert, titulada Madre y pude comprobar el cariño y la dedicación con los que trabajan todos allí. Guardo un gratísimo recuerdo de Mercedes Vostell, José Antonio Agúndez, Agapito Gómez y todos los demás. Más recientemente se han sumado el MEIAC en Badajoz y Foro Sur en Cáceres a esta labor, y otros espacios como el Museo Provincial, con lo que el panorama en Extremadura comienza a verse bastante halagüeño, porque además tiene apariencia de seguir creciendo. Es indispensable para el desarrollo del arte el apoyo institucional que lleva las obras hasta la gran mayoría del público, las galerías con su margen de acción más directa y personal y el apoyo también del coleccionismo y su necesaria inversión.

Desde hace algunos años utilizas el cuerpo fragmentado o partes aisladas en tus obras, ¿crees que esta es tu seña de identidad?

Actualmente sí lo es, siempre me sirvo de ese vehículo de comunicación que es el cuerpo para mí, tanto en las instalaciones como en las performances.

Mantienes como una constante el uso de nuevos materiales, ¿cómo los elegiste para las instalaciones de “Debajo del Agua”?

El aspecto pétreo y de colores cálidos de Cáceres me sugería el deseo de la búsqueda de su parte líquida y del contraste entre las dos: la evocación del agua, el naranja cálido de la pared con el azul de los neones y del vídeo, el pez que salta del pecho acuoso de una figura y vuela con la ligereza de las plumas de unas alas de pájaro, el blanco de la sal marina, la espuma de la superficie del agua cuando se agita en la orilla del mar…

En el caso de las perfomances suele aparecer la crítica social ¿crees que el arte puede intervenir para mejorar el mundo?

¡Qué duda cabe! Por supuesto que sí. De hecho considero que ha sido así a lo largo de la historia. Los cambios sociales van precedidos, subrayados y relatados por la obra de intelectuales y artistas que impulsan estos cambios. Los deseos de denuncia de lo innoble o la sublimación de lo bello van ligados siempre a la obra del artista. Pienso que el arte es necesario para la evolución del pensamiento y el enriquecimiento espiritual (no animal) de la humanidad.

Carlos Ann

2009-02-27T20:37:00.001+01:00

Atónito

2009-02-16T20:27:00.001+01:00

El martes se inauguró Atónito en el Guayasamín. Me gustó ver allí a Mª del Mar Lozano, y a Ian, que después de más de un año todavía se acordaba de mí. Esto es lo que escribí para Avuelapluma (no es exactamente lo mismo que ha salido publicado, porque lo corregí y se han debido liar con los dos textos):

Toni Barroso, o Niki, como sus amigos le llamaban, siempre intentó vivir fiel a su personal manera de entender la vida y el arte. Hacía mucho tiempo que se había marchado de Cáceres, donde se formó en la Escuela Eulogio Blasco, para irse a Salamanca a estudiar Bellas Artes, aunque no terminó la carrera.
A los veinte años se fue a Madrid, fichado por una galería que le auguraba un futuro prometedor, pero pronto se desencantó de un mundo en el que los intereses económicos parecían estar por encima de sus inquietudes como artista. Se marchó a Londres, y después a Colonia, donde vivió durante varios años y donde descubrió una manera de entender el arte diferente. Allí trabajó como fotógrafo de moda y desarrolló una obra colorista y abstracta, influida por la Bauhaus, por Paul Klee…
En el año 2004 regresó a Cáceres, aunque nunca perdió del todo la vinculación con Colonia. Aquí formó parte del colectivo Arte Abierto, expuso sus obras en bares como el María Mandiles, y en el Centro Cultural San Jorge, y la acción que realizó en 2005 en la Plaza de San Jorge, titulada “Con la cruz a cuestas”, posiblemente habrá quedado en la memoria de todos los que visitaron Foro Sur aquellos días.

El pasado once de febrero, habría cumplido treinta y cinco años. Por eso, cuando, a principios de noviembre, Abigail Narváez y Eva Granados empezaron a organizar Atónito, la exposición que se puede ver hasta el 25 de febrero en el Guayasamín, pensaron que ésta sería la mejor fecha para recordar a su amigo. Seguramente, él habría celebrado su cumpleaños por todo lo alto, hablando como siempre de sus proyectos y sus ideas. Siempre estaba tramando algo, y, con sus amigos, muchos de ellos artistas o vinculados con la creación, compartió iniciativas como los Malditos Miércoles, La Conce o el fanzine Los Bomba, que animaron el ambiente cultural alternativo cacereño.
En Atónito hay obras de Toni, cedidas por sus amigos, y una proyección de más de ochenta fotos de su vida, de sus amigos, de La Conce, de sus exposiciones... Además, algunos artistas y amigos como Ángel Sotomayor, Tete Alejandre, Sebastián, Elisabeth Ferber, Matilde Granados, Marce Solís, Juanma Barrado, Virginia Rivas, Abigail y Eva, entre otros, han decidido aportar obras creadas para la ocasión. También hay esculturas de Francisco Hernández Cano o de Calderón Silos, para las que posó como modelo, bocetos, y objetos que dan a conocer aspectos menos conocidos de su trabajo y de su vida.
“Toni desarrolló su trabajo de una forma multidisciplinar, muchos de los amigos que tenía se movían en distintos terrenos de la creación y pensamos que a él le hubiera gustado un evento de este tipo. Donde todos o casi todos los ámbitos de la creación artística tengan cabida”. En cuanto al nombre de la exposición, Atónito, Abigail cuenta también que “describe bastante bien cómo nos quedamos cuando nos enteramos de lo que pasó con nuestro amigo y resume las sensaciones que nos produce todo este tema”.

Foro Sur (2001 - 2009)

2009-01-23T19:17:00.001+01:00

No sé por qué, pero hace tiempo que pensaba que Foro Sur se iba a trasladar al futuro "Palacio de Congresos y Exposiciones" y esta idea me parecía mal, porque alejaría la feria de la parte antigua. Al final no ha sido así. Ha sido mucho peor. En el año 2010, Foro Sur se trasladará a una casa de la Calle Torremochada, cerca de la Plaza de Santa Clara. La casa en cuestión tiene tres plantas y mide, en total, 300 m2. Además de Foro Sur, albergará dependencias de turismo, una bodega y una exposición permanente que "actuará como museo etnográfico". (Esto del museo etnográfico me parece una tontería, teniendo en cuenta que existe una sección de etnografía en el Museo de Cáceres).

Hasta ahora, Foro Sur ocupa, según la web de Feval, una superficie de 2450 m2, y acogía a 25 galerías. En el nuevo espacio, con un poco de suerte, igual entran cinco o seis, y dudo mucho que algunas quieran participar en una mini feria de esas características.

El Centro Helga de Alvear en El País

2009-01-11T23:18:00.005+01:00

Este domingo, uno de los reportajes de Babelia trata sobre los centros de arte creados a partir de colecciones privadas. Entre ellos, se habla del futuro Centro de Artes Visuales Helga de Alvear de Cáceres:

Mientras las piezas del hamburgués se inclinan por lo grotesco, la colección de Helga de Alvear (nacida en Alemania y afincada en España desde hace más de cuatro décadas) contempla un lado más amable de la existencia. Según ella, es su reacción a los horrores de la guerra que vio en su infancia. "Mi colección soy yo", dice contundente y flaubertiana Helga de Alvear. "No compro con asesores. Ésa es la diferencia entre los coleccionistas de verdad. A lo mejor son colecciones que tienen mucho mayor valor que la mía en el mercado, pero no muestran el carácter del coleccionista. Yo me enamoro de cada obra. Coleccionistas como François Pinault (que ha instalado su colección en el grandioso Palazzo Grassi, de Venecia), por ejemplo, no han comprado directamente y eso se nota".

Galerista y coleccionista, confiesa que ella misma es su mejor clienta. "Sí, lo soy", dice. "Pero voy de compras el último día de la exposición. Es algo que aprendí de [la mítica galerista] Juana Mordó y es una regla sagrada para mí: el cliente va siempre primero. Normalmente me doy el lujo de exponer sólo a los artistas que me interesan, así es que si no venden me quedo con piezas yo".

Ella también tendrá un espacio de exposición para sus dos millares de piezas. El Centro de Artes Visuales Helga de Alvear, de los arquitectos Tuñón y Mansilla, se está construyendo en Cáceres para albergarla. La primera parte del edifico se inaugurará en septiembre de 2009. La segunda, en 2011. "Lo principal es que todas las obras sigan juntas", afirma la coleccionista. De momento las tiene en tres almacenes. La Junta de Extremadura será propietaria de la colección dentro de 30 años. "Cada pieza es una historia", comenta. "El arte no tiene que ver con el dinero, sino con aprender. Lo fascinante es interesarte por el trabajo de los artistas y sus obras, comprenderlos, seguirlos".

Picasso en el Museo Municipal de Cáceres

2008-12-29T18:17:00.009+01:00

El mismo día que Massa Solís anuncia que retira del Palacio de la Isla las cuarenta pinturas donadas a Cáceres, se hace público que el Museo Municipal (debería llamarse mejor Exposición Museográfica permanente municipal) va a dedicar dos salas a obra gráfica de Picasso, procedente de la colección Mocaral, cedida por 15 años al Ayuntamiento. El resto de las salas estarán dedicadas "a elementos que recrean la historia y las costumbres de la ciudad" y al Archivo de Fotografías y Curiosidades de Juan Ramón Marchena, pero según dice la noticia, el principal reclamo, las salas estrella, serán las de Picasso, un gran artista que, por cierto, no tuvo ninguna vinculación con Cáceres.

El Museo Municipal de Málaga está lleno de obras de Picasso, por algo es su ciudad natal, pero aquí no le veo sentido. Me temo que esos grabados que se van a exponer pasarán desapercibidos cuando se abra el Centro de Artes Visuales de Helga de Alvear, o sin esperar tanto, el Museo de Cáceres expone en su sección de Bellas Artes tres grabados de Picasso. Incluso, si esas salas fueran visitadas por miles de personas, creo que un museo municipal debe centrarse en dar a conocer la historia, el arte y la cultura desarrollada dentro del ámbito que le corresponde, y dedicar dos salas a Picasso, en este caso, es un error que demuestra el poco aprecio (o el desconocimiento) que los responsables de esta idea tienen por el arte surgido en esta ciudad. ¿O es que no hay artistas cacereños que merezcan mostrar sus obras en esas salas?

Antonio López (según La Hora Chanante)

2008-12-21T18:44:00.005+01:00